Amancio Prada, la semilla hecha canción

En este programa número 161 de La Alegre Corchea Libertaria, queremos felicitar el cumpleaños a Amancio Prada, compositor y cantante nacido en Dehesas (León) el 3 de febrero de 1949.

Amancio Prada, compositor y cantante nacido en Dehesas (León), allá por las tierras de El Bierzo, el 3 de febrero de 1949, es reconocido por su exquisita sensibilidad que es, a la vez, comprometida, comprometedora y revolucionaria, que reivindica la belleza como necesidad para la realización del amor, de la paz y de la libertad.

Terminado el bachillerato, Amancio inició la carrera de Dirección de Empresas Agrícolas en la Universidad de Valladolid, ciudad en la que, además de estudiar, comenzó a tocar el piano, compuso sus primeras canciones y trabajó como vocalista de una orquesta llamada «Juventud», que recorría los pueblos cercanos amenizando las fiestas patronales.

Fue en aquel ambiente urbano y universitario donde la sensibilidad natural y primaria de Amancio se transformó en una profunda sensibilidad social cada vez más comprometida en gestos de rebeldía, como lo fue, por ejemplo, tomar la decisión de marcharse a Paris, en 1969, a la búsqueda y al encuentro de lo que se hace llamar «libertad», y que nunca sabemos por qué senderos y hacia qué horizontes puede conducirnos.

Nada más llegar a París, empezó a dar pequeños recitales en algunos centros de emigrantes y casas de cultura, y actuó junto con Paco Ibáñez, Xabier Ribalta y Miro Casabella, en el Festival de la Nueva Canción de los Pueblos Ibéricos, que se celebró, en diciembre de 1969, en el Palais de la Mutualité.

Amancio Prada (tomada de la web Canción con todos)

A partir de aquel momento, Amancio, aunque había compuesto algunas canciones con textos propios, resolvió centrar su actividad creadora en la musicalización e interpretación –en castellano y en gallego– de textos de poetas contemporáneos como Rosalía de Castro, Miguel Hernández o Nicolás Guillén.

En 1973, entró en contacto con Georges Brassens, con el que compartió una serie de recitales celebrados en diversos teatros y universidades, además de centros de emigrantes españoles. Al año siguiente grabó su primer disco, «Vida e Morte».

A partir de volver a España y ubicarse en Segovia, además de continuar con la musicalización de poemas de Rosalía de Castro y coplas y canciones populares gallegas. La otra creación segoviana de Amancio Prada fue «Cántico Espiritual» de San Juan de la Cruz, una obra de gran complejidad a la que dedicó varios años.

A partir de 1979, Amancio decidió empezar a componer canciones sobre poemas de autores como Juan de la Enzina, Agustín García Calvo, Antonio Machado, Tagore, Miguel Hernández, Isabel Escudero, Carmen Martín Gaite, Federico García Lorca y más.

Amancio Prada Chicho Sanchez Ferlosio y Agustin Garcia Calvo en el Colegio Universitario de Zamora 1978 (fotografia de Pablo Sorozabal, tomada de la web de la Editorial Lucina).

Antes, en 1978, canta en Zamora junto a Chicho Sánchez Ferlosio y Agustín García Calvo, recital que se repetiría a finales de 1982 en un muy recordado concierto en el Teatro Español. La amistad entre Amancio, Chicho y Agustín se prolongará hasta el fallecimiento primero de Chicho y después de Agustín (fue Agustín quien le enseñó la música de Chicho a Amancio, en París a principios de los 70). A Agustín le dedicó su álbum, «Canciones y soliloquios», en 1983, además de estar presente en varios discos y, por supuesto, en sus recitales. A Chicho dedicó el disco que escucharemos en este programa: «Hasta Otro Día, Chicho Sánchez Ferlosio» (2005).

«La canción, como la poesía, es semilla, antes que fruto».

Amancio Prada

Durante un tiempo Manuel Vicent y Amancio trabajaron conjuntamente en un taller literario al que llamaron «Taller de columnas y canciones», en el que, tras la selección de ocho de las columnas escritas en prosa por Vicent, crearon ocho canciones que venían a glosar, en lenguaje poético y musical, el mismo contenido o la misma trama argumental.

En 2010 publica tres libro-discos: «Coplas a la muerte de su padre de Jorge Manrique», «Emboscados» y «Cántico espiritual y otras canciones de San Juan de la Cruz». Trabaja en la traducción de canciones de Léo Ferré y en 2007 le dedica su siguiente disco-libro, «Vida de artista». Además de otros discos, siempre sensibles y complejos, destacan cuatro discos más de sus últimos años: «Canciones de Agustín García Calvo. Libre te quiero» (2013); «Resonancias de Rosalía» (2014), «La voz descalza, Teresa de Jesús» (2015) y el libro-disco dedicado a Gustavo Adolfo Bécquer (2020).

Tras la presentación, escucharemos su disco «Hasta Otro Día, Chicho Sánchez Ferlosio», publicado en 2005 en homenaje a su gran amigo Chicho, que falleció en 2003. Así presenta Amancio este disco:

Este disco es el fruto de mi amistad con Chicho, y a él está dedicado, al cantor con más gracia y talento que he conocido. Algunas de sus canciones se hicieron muy populares en los años sesenta y la gente las cantaba pensando que eran “anónimas”, ese estado de gracia de una fama superior. No puede aspirar un autor a mayor gloria. Él sólo llegó a publicar un LP, en 1978: “A contratiempo”.

Las canciones interpretadas en este disco representan una pequeña parte de su amplio repertorio. La mayoría tienen música y letra suya; otras las compuso sobre poemas de Agustín García Calvo; a “La vecina” le puse yo música hace años; también hay cuatro tradicionales, que él me enseñó, adaptadas a mi manera. De una forma o de otra, todas son de Chicho Sánchez Ferlosio. Forman la huella sonora que ha dejado en mi vida y en la de tantos amigos: su memoria.

Amancio Prada

Estos son los temas que lo componen y que podréis escuchar tras la presentación:

01.- El Cantar Tiene Sentido
02.- Don Din
03.- Pa La Sangre
04.- Dulce Vino De Olvido
05.- La Vecina
06.- Por El Camino Viene
07.- Si Las Cosas No Fueran
08.- Baraka
09.- A Tocchi A Tocchi
10.- Ladinadaina
11.- Permítame Usted Que Hable
12.- Brave Marin
13.- Hoy No Me Levanto Yo
14.- Tú, Cuya Mano
15.- Villancico Laico Gitano
16.- Guambrita
17.- Cárcel Por Dentro
18.- Pena De Muerte
19.- El Mundo Que Yo No Viva

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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FUENTES

http://www.cancioncontodos.com/autor/amancio-prada
https://amancioprada.com/biografia/
https://www.editoriallucina.es/entrada/recital-en-el-colegio-universitario-de-zamora-1978_771.html
https://www.abc.es/cultura/cultural/abci-amancio-prada-creo-como-machado-coplas-cuando-canta-pueblo-202007070116_noticia.html
https://amancioprada.com/discografia-amancio-prada-cantautor/hasta-otro-dia-chicho-2005/

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Etta James, ¡por fin!

En este programa número 160 de La Alegre Corchea Libertaria, os traemos la música de Etta James, cantante estadounidense de soul, jazz y rhythm & blues, considerada una de las grandes voces en la historia del R&B.

Etta James. Fuente: Dirty Rock

Jamesetta Hawkins (Los Ángeles, 25 de enero de 1938 – Riverside, California, 20 de enero de 2012), más conocida por su nombre artístico Etta James, fue prodigiosa en su tono de voz y esto le permitió convertirse en una cantante de góspel, interpretando en el coro de su iglesia de barrio en Los Ángeles.

Empezó a hacer interpretaciones en la radio a los cinco años. Niña prodigio del góspel, comenzó a cantar en su Iglesia bautista y en la radio local bajo la tutela del profesor James Earle Hines, que era el director musical del coro de la Iglesia bautista San Pablo, en el South central de Los Ángeles, con el que sufrió los primeros maltratos físicos. Este tipo a menudo le presionaba fuertemente el pecho y el estómago para sacar más potencia a su voz, algo que hacía que la pequeña tuviese una voz mucho más desgarradora que el resto de los niños de su edad. Así se desarrolló la infancia de Etta, entre las palizas de su padre adoptivo Sarge (que la obligaba a cantar delante de sus amigos cuando llegaban a casa a altas horas de la madrugada y borrachos como cubas) y las de su tutor musical.

En 1950, con 12 años, marcha a San Francisco, donde crea su primer grupo, The Creolettes, un conjunto de chicas y de estilo doo-wop. En este momento la descubre el cazatalentos Johnny Otis, y comienza su verdadera aventura.

En 1960 comienza a trabajar con la discográfica Chess Records de Chicago, cantando para la subsidiaria Argo. Inmediatamente, su carrera alcanzó un nivel altísimo de popularidad; no solo hizo un par de dúos con su novio (el cantante líder de los Moonglows, Harvey Fuqua), sino que individualmente grabó canciones como la apasionada balada «All I Could Do Was Cry», alcanzando lo más alto de las listas de éxitos de R&B. Luego cayó en el olvido, hasta los años 90, aunque ella siguió cantando de forma intermitente.

Etta James durante la grabación de ‘At Last’ en 1960 / GETTY IMAGES (tomada de Cadena Ser)

James fue una vez considerada una de las músicas de blues y R&B más ignoradas en la historia de la música de los Estados Unidos. No fue sino hasta principios de la década de 1990 cuando comenzó a recibir importantes premios de la industria de los Grammy y la Blues Foundation, y comenzó a recibir un amplio reconocimiento. En 2001 entró en el Hall of Fame del Blues, y en 2003 recibió un Grammy honorífico, y siguió sacando discos hasta que su voz se apagó en 2012 (tres días después de la muerte de Johnny Otis). Pero incluso ese año nos dejó un último regalo, The Dreamer. Christina Aguilera conmemoró a Etta cantando en su funeral el sencillo «At Last».

Etta James fue una mujer con un carácter muy fuerte y salvaje. No se callaba ante nadie y llevaba los momentos malos de su vida con humor e ironía.

James poseía el rango vocal de contralto. Su estilo musical cambió a lo largo de su carrera. La voz de James se hizo más profunda y áspera, moviendo su estilo musical en sus últimos años en los géneros del soul y el jazz.

James influyó en una gran variedad de músicos, entre ellos Diana Ross, Christina Aguilera, Janis Joplin, Bonnie Raitt, Shemekia Copeland y Hayley Williams de Paramore, así como en los artistas británicos The Rolling Stones, Rod Stewart, Elkie Brooks y Amy Winehouse.

Tras la presentación, escucharemos su disco «At Last!», de 1960, aunque la versión que vamos a escuchar es una reedición de 1999, que incluye, además, cuatro pistas extra a dúo interpretadas con Harvey Fuqua.

At Last! tiene material fuerte en todas partes, y la voz de James maneja con destreza estándares del jazz como «Stormy Weather» y «A Sunday Kind of Love», así como el clásico de blues de Willie Dixon «I Just Want to Make Love to You». ​

Stephen Cook, de AllMusic

Estos son los temas que podréis escuchar tras la presentación:

01.- Anything To Say You’re Mine
02.- My Dearest Darling
03.- Trust In Me
04.- A Sunday Kind Of Love
05.- Tough Mary
06.- I Just Want To Make Love To You
07.- At Last
08.- All I Could Do Was Cry
09.- Stormy Weather
10.- Girl Of My Dreams
11.- My Heart Cries
12.- Spoonful
13.- It’s A Crying Shame
14.- If I Can’t Have You

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Etta_James
https://lacarnemagazine.com/etta-james-una-autentica-diva-del-soul/
https://es.wikipedia.org/wiki/At_Last!

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Alfredo Zitarrosa, el uruguayo errante

En este programa número 159 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, queremos recordar a Alfredo Zitarrosa (Montevideo; 10 de marzo de 1936; 17 de enero de 1989), cantautor, poeta, escritor, locutor y periodista uruguayo, considerado una de las figuras más destacadas de la música popular de su país y de toda América Latina.

Hijo natural de Jesusa Blanca Nieve Iribarne, que con 19 años lo dio a luz en una casa de altos, ubicada en el barrio de Belvedere, en la avenida Carlos María Ramírez esquina Carlos de la Vega.

Lo recibió una partera conocida por el apodo de Bombón, que allí vivía. Cuando Blanca Iribarne estaba en trabajo de parto fue trasladada en un carro de caballo desde el pueblo de Santiago Vázquez con la intención de llegar al hospital pediátrico Pereira Rossell, pero no llegó a tiempo y fue acogida en casa de la partera. Allí nació Zitarrosa y luego lo llevaron hasta el hospital, lugar que se considera como el sitio de su nacimiento, para inscribirlo en el registro civil que allí existe. Fue anotado como Alfredo Iribarne.

Alfredo Zitarrosa

A poco de nacer, en circunstancias especiales, su madre lo dio a criar al matrimonio compuesto por Carlos Durán, hombre de varios oficios, y Doraisella Carbajal, empleada en el Consejo del Niño. Pasó entonces a ser Alfredo «Pocho» Durán. Con esa pareja vivió en diversos barrios de la capital uruguaya y luego, entre 1944 y fines de 1947, se trasladó al pueblo de Santiago Vázquez, con frecuentes visitas a la campaña cerca de Trinidad, capital del departamento de Flores, de donde era oriunda su madre adoptiva. Se ha señalado que esta experiencia infantil lo marcó para siempre, dado que en su repertorio resalta la inclusión mayoritaria de ritmos y canciones de origen campesino, fundamentalmente milongas.

Regresó con su familia adoptiva por breve tiempo a Montevideo, para luego, al comienzo de su adolescencia, pasar a vivir con su madre biológica y el esposo, el argentino Alfredo Nicolás Zitarrosa, quien le dio su apellido, y su hermana recién nacida, en el Rincón de la Bolsa, hoy llamado Ciudad del Plata, en el km 29.5 de la vieja ruta a Colonia, departamento de San José.

Trabajó, entre otros menesteres, como vendedor de muebles, de suscripciones a una sociedad médica, de oficinista y en una imprenta. Tiempo después recordaría con especial afecto al que fuera su primer empleador, un tal Pachelo, que le fue presentado por uno de sus compañeros habituales de viaje en sus traslados diarios a Montevideo, durante la época liceal.

Se inició en las lides artísticas en 1954, como locutor de radio. Incursionó como presentador y animador, libretista e informativista, e incluso como actor de teatro. Fue también escritor, poeta y periodista. En esta última actividad, se destacó su labor en el semanario Marcha.

Aunque cantaba desde pequeño y había realizado ya algunas grabaciones informales que trascendieron con los años, debutó profesionalmente como cantor el 20 de febrero de 1964, en Perú. Forzado por las circunstancias y un poco fortuitamente, participó en un programa que se emitía por el Canal 13, Panamericana de Televisión, comenzando así una carrera que nunca se interrumpiría. Zitarrosa relató así su experiencia:

No tenía ni un peso, pero sí muchos amigos. Uno de ellos, César Durand, regenteaba una agencia de publicidad y por sorpresa me incluyó en un programa de televisión, y me obligó a cantar. Canté dos temas y cobré 50 dólares. Fue una sorpresa para mí, que me permitió reunir algunos pesos.

Alfredo Zitarrosa

Desde el principio, se estableció como una de las grandes voces del canto popular latinoamericano, con raigambre folclórica y clara ideología de izquierda. Cultivaba un estilo contenido y varonil, y su voz grave y un típico acompañamiento de guitarras le dieron su sello característico.

En la década de 1960 fue votante y militante del Frente de Izquierda de Liberación (FIDEL), lista 1001, en el seno del Movimiento Popular Unitario que integraba aquella coalición. Luego siguió militando en el Partido Comunista de Uruguay hasta su muerte. En 1971 adhirió al Frente Amplio. Participó como cantor en innumerables actos políticos de estas organizaciones.

Aquellas actividades, sumadas al contenido ideológico de su canción, le valieron el ostracismo y finalmente el exilio, durante los años de la dictadura (1973-1985). Sus canciones estuvieron prohibidas en Uruguay durante ese período, y más tarde en Argentina y Chile, por las dictaduras golpistas y genocidas que gobernaron esos países. Vivió entonces, sucesivamente, en Argentina, España, México y, nuevamente, Argentina, a partir del 9 de febrero de 1976.

Levantada la prohibición de su música, como la de tantos en la Argentina luego de la Guerra de Malvinas, se radicó nuevamente en Buenos Aires, donde realizó tres memorables recitales en el estadio Obras Sanitarias, los primeros días del mes de julio de 1983. Casi un año después volvió a su país, donde tuvo una histórica y masiva recepción el 31 de marzo de 1984, la que fue descripta por él mismo como «la experiencia más importante de mi vida».

En ese regreso, pasadas las primeras emociones del reencuentro con su país y su gente, comenzó a tener diversas dificultades.

Falleció en los albores del 17 de enero de 1989, a causa de una peritonitis derivada de un infarto mesentérico.

Zitarrosa buscó una canción uruguaya basada en los géneros musicales que identifican a la región. En esta búsqueda también puede identificarse a artistas contemporáneos como Daniel Viglietti y Los Olimareños, que a su vez fueron precedidos por otros como Osiris Rodríguez Castillos, Amalia de la Vega y Anselmo Grau

Su obra tiene base en la música folclórica rural, y encuentra en el tango el modelo de acompañamiento de guitarras. Zitarrosa rescató los dúos, tríos y cuartetos presentes desde larga data en la música uruguaya. Utilizó el cuarteto principalmente en la milonga.

Cubierta del cassete «Guitarra negra», de Alfredo Zitarrosa (1992)

Tras la presentación, escucharemos su disco recopilatorio «Guitarra negra», de 1992, editado en Chile con grabaciones de Alfredo Zitarrosa de distintas fuentes, además de una selección de Radio Alegría Libertaria a modo de bonus track. Todos los temas pertenecen en letra y música a Zitarrosa. Estos son los temas que podréis escuchar tras la presentación:

01.- Guitarra Negra (contra canciones) (versión grabada en Madrid en 1977). Poema por milonga.
02.- Adagio a mi país (registro en vivo durante las Jornadas del Canto Popular. México, 1977).
03.- No se puede (grabada en México, 1979-1980, y editada por primera vez en esta versión en el álbum “Textos políticos. 20 años de compromiso”, México, 1980). Voces del final: Nancy Marino, Naldo Labrín y Ruben Yáñez.
04.- La canción quiere (grabada en México, 1979-1980, y editada por primera vez en esta versión en el álbum “Textos políticos. 20 años de compromiso”, México, 1980).
05.- La pobreza de los pobres (compuesta en 1977, parece grabada acompañado por los mismos músicos que intervinieron en el álbum “Guitarra negra” editado en España en ese año. Tema inédito que hasta la fecha no había aparecido en ediciones argentinas o uruguayas).

Bonus track

06.- Doña Soledad (candombé, 1968)
07.- Pa’ l Que Se Va (chamarrita, 1967)
08.- Coplas al Compadre Juan Miguel (chamarrita, 1966)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

PROGRAMA RELACIONADO

Daniel Viglietti y «La canción de los prisioneros», recital inédito con Eduardo Galeano

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Alfredo_Zitarrosa
https://www.elobservador.com.uy/nota/asi-fue-la-vida-intima-de-alfredo-zitarrosa-en-fotos-2018102416611

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Olga Román. Vueltas y vueltas para seguir compartiendo

En este programa número 158 de La Alegre Corchea Libertaria, queremos felicitar el cumpleaños a Olga Román, cantautora e intérprete madrileña nacida el 16 de enero de 1965, cuya obra se desarrolla entre el jazz, la música latinoamericana y el folclore argentino. El programa incluye un fragmento de una entrevista realizada por Joaquín Guzmán en Rockola FM que nos ayuda a comprender cómo compone y cómo siente lo que hace.

Olga Román

Olga Román inició su carrera musical cantando, como solista, en el grupo Nuestro Pequeño Mundo, liderado por Juan Alberto Arteche, y, más concretamente, participando en la grabación del último disco del grupo titulado «Buscando a Moby Dick» (1982), en el que interpretó, entre otros, dos bellas canciones de Pablo Guerrero: «La mora enamorada» y «Buscando a Moby Dick».

Olga Román en Argentina

En 1983 participó, haciendo coros, en el concierto grabado en directo «Entre amigos», que Luis Eduardo Aute realizó en el Teatro Salamanca de Madrid, con la compañía de Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Joan Manuel Serrat y Teddy Bautista; colaboración con Aute que continuó en el LP «Cuerpo a cuerpo» (1984) y en la gira posterior.

Tras esta etapa, Olga Román decidió trasladarse a Boston donde permaneció ocho años. Allí completó sus estudios musicales y formó un grupo de música de jazz llamado Olga Román Quarter, con el que ofreció numerosos conciertos; una experiencia profundamente enriquecedora por la que fue nominada a los Boston Music Awards como mejor cantante de jazz en 1992.

En 1993, Olga regresó a España y se produjo un encuentro que llegaría a ser muy significativo: su encuentro con Joaquín Sabina, del que surgió una colaboración y una complicidad musical que se extendió más de 10 años.

«Hacer coros con ella era una maravilla. –comenta Pancho Varona– Una sola mirada y era sabia entre las sabias para, como ella dice, “aterrizar al final de una frase junto a Joaquín”».

El propio Joaquín le ha dedicado este soneto:

¿Olga Román? Pregúntale a cualquiera
Que no venere el cielo de su boca
De su desván, pomelo con caderas
Del dulce desconsuelo que provoca.

Cuando en plazas de toros imposibles
Pega su voz a mí como una lapa
Sus coros rompen techos y fusibles
Y el don de su despecho te destapa.

Su bola de cristal llena de dientes
Es un peligro para las morenas
Tontas de la ton tómbola amarilla.

¿Olga Román? No ejerzo de vidente
Pero poned su charme en las antenas
Y yo estaré aplaudiendo de rodillas»
.

Durante esos años –en concreto, a partir del año 2000– Olga Román decidió empezar a cantar en solitario e inició la composición de sus propias canciones que se concretaron en la edición de un primer disco titulado «Vueltas y vueltas» (2001). En este disco trabajó con dos compositores canarios provenientes del grupo Taller de Tenerife: Pedro Guerra y Andrés Molina.

El tema compuesto por Olga Román «Again» fue incluído en la película «El cielo abierto», de Miguel Albaladejo y nominada a los Premios Goya de Cine 2002 como mejor canción original. Posteriormente, ha participado en diversas películas y cortos con su música y sus composiciones.

Olga Román en el Café Central

Cuatro años más tarde de la edición de aquel primer disco, Olga volvió a sorprendernos con su segunda obra en solitario a la que tituló sencillamente «Olga Román 2″ (2005). En este segundo disco, colaboraron con sus voces Carmen París y Jorge Drexler, y supuso el inicio de la relación con Juan Uría, que se convirtió en su «letrista favorito».

En 2011 Olga publicó su tercer disco titulado «Seguir caminando» (2011); obra en la que canta con Pablo Milanés en el tema «Cada vez que te vas», y supone el reencuentro de Olga Román con Joaquín Sabina en una preciosa rumba cubana llamada «Margarita».

En 2012 tras una gira presentando sus canciones en Argentina, Olga ha grabado su disco más reciente titulado «De agua y laurel» en el que hace un precioso homenaje al gran compositor de folclore argentino Gustavo Cuchi Leguizamón, obra en la que cuenta con la colaboración de Juan Carlos Baglietto, cantando en «Zamba del carnaval», y Ángela Irene en «Zamba del laurel».

Con independencia de todo lo anterior, Olga ha colaborado en la grabación de discos de Jorge Drexler, Fito y los Fitipaldi, Extremoduro, Ismael Serrano, Diego Ojeda o Pablo Guerrero.

Tras la presentación, os traemos una selección de Radio Alegría Libertaria desde 1982 hasta la actualidad, para escuchar diferentes estilos y también temas que ha compartido con otr@s intérpretes. Estos son los temas que podréis escuchar tras la presentación:

01.- Juan Panadero (2012)
02.- Seguir Caminando (2011)
03.- Esta boca es mía (2003)
04.- María Vale Más (2001)
05.- Again (2001)
06.- Voy Sin Reloj (2001)
07.- Me Asomo. Con Guillermina Beccar (2021)
08.- Zamba del Carnaval. Con Juan Carlos Baglietto (2012)
09.- Zamba del Laurel. Con Angela Irene (2012)
10.- Cada vez que te vas. Con Pablo Milanés (2011)
11.- Margarita. Con Joaquín Sabina (2011)
12.- Palito de Madera. Con Javier Bergia e Ismael Serrano (2011)
13.- Me asomo. Con Carmen Paris (2005)
14.- Apareces. Con Jorge Drexler (2005)
15.- La señorita del abanico. Con Nuestro Pequeño Mundo (1982)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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FUENTES

http://www.olgaroman.com/biografia.php
http://www.cancioncontodos.com/autor/olga-rom%C3%A1n
Joaquín Guzmán entrevista a… Olga Román, en Rockola FM: https://youtu.be/A7r5vcP9Mbg

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

José Menese, por derecho en la senda del cante y del comunismo

En este programa número 157 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, hablaremos de José Menese, gran cantaor flamenco y comunista nacido en La Puebla de Cazalla (Sevilla) el 3 de diciembre de 1942, que falleció en su pueblo natal el 29 de julio de 2016.

José Menese en el programa «Ritos y Geografías del Cante», de RTVE

Nace el 3 de diciembre de 1942 en La Puebla de Cazalla, Sevilla; muriendo en la misma localidad el 29 de julio de 2016 (73 años). Se crio en su pueblo natal de La Puebla de Cazalla, donde su padre ejercía el oficio de zapatero.

Comenzó cantando en su localidad natal como aficionado, en locales como el Bar Central. En 1959, Antonio Mairena le presenta en su debut en el Cine Carretería de Osuna. A principios de los años 60 fue presentado en el mundo cultural madrileño por el pintor Francisco Moreno Galván, también originario de La Puebla de Cazalla; en 1963 pasó a formar parte del elenco de artistas del conocido tablao flamenco Zambra.

José Menese con Francisco Moreno Galván

La relación de Menese con Moreno Galván fue muy prolongada (Moreno Galván falleció el 21 de junio de 1999), y fue este quien creó la mayor parte de las letras de sus discos posteriores. El contenido de estas letras, con un profundo contenido social y, en algunas ocasiones, también político, le granjeó la enemistad de las autoridades del régimen franquista, si bien éstas nunca hallaron excusa en las cuidadas letras de Moreno Galván para ejercer la censura sobre ellas.

Blas de Otero dijo de él: «La voz, la voz que cierra y abre las palabras, el cante cortado de perfil, bruscamente. Voz centrada ensanchándose desde dentro, José Menese».

Génesis García Gómez en la biografía que hizo sobre José Menese dice:

«Cuando José Menese tenía 25 años, en el Diccionario Larousse ya aparecía su nombre, su discografía y la explicación de su labor renovadora y dignificadora para el arte flamenco.

Caso único entre los artistas del género en aquellos años. Y muestra de lo meteórico de su fama. Este hecho puede sintetizar la importancia de una carrera artística que fue más allá de lo personal para dar explicación de un cambio sociológico y cultural de primer orden en la apreciación de este arte.

Porque José Menese, junto a Francisco Moreno Galván, interesó por el flamenco a capas sociales nuevas, creadoras de opinión y de cultura, al hacer viva en su cante la llamada Cultura Jonda, uno de los más fuertes apoyos al liderazgo musical que tanto significó en los años de la Transición española. Movimiento que si bien se circunscribe a la década de los pasados 70, su arraigo y liderazgo cultural y social se apoyó en la mayoría de los escritores, artistas plásticos y músicos populares cuya actividad venía de las generaciones del 27 y del 50, los que protagonizaron el realismo social de los 60 y el decidido activismo político en los propiamente 70. Hasta que todo aquel riquísimo movimiento, en el cual José Menese tuvo decididos arte y parte, cesara con el «Sin compromiso en los 80», que significó el fin del activismo cultural que había apoyado la Transición española».

Manuel Bohórquez en un artículo que publicó el día después de la muerte de José Menese con el título: La voz pura que nos consolaba, dice:

«Menese no era un reloj, una de aquellas máquinas a las que les echabas una moneda y salían cantando. Era un cantaor vital, delicado, que necesitaba estar motivado, saber que quienes habían ido a escucharlo entenderían de cante y de arte. No era un cantaor de duquesitas que se impresionan con los gorgoritos, sino de cabales, de aficionados. Y esos son los que están llorando desde ayer, cuando se supo que había dejado de latir su gran corazón de cantaor y de hombre por derecho. Llorando por el dolor de su marcha y por lo que esta pérdida va a significar para el cante jondo, que parece que está siendo atacado por una fuerza desconocida, descomunal, seguramente de otro mundo».

José Menese

José Menese ha estado cantando sesenta años y apenas cambió la línea que eligió cuando comenzaba. Su concepto de la evolución artística no tenía nada que ver con modas y otras zarandajas, lo que le hizo mantenerse siempre firme y fiel a unos principios. Tuvo claro desde muy joven que nunca iba a ceder ante intereses comerciales que solo dieran dinero (…)

«José Menese fue un cantaor de extraordinaria riqueza de registros. Sus seguiriyas y martinetes, sus soleares y tangos suponen otros tantos paradigmas interpretativos dentro del desarrollo contemporáneo del flamenco. Menese propagó por el mundo adelante un arte popular donde se unían la pasión y el conocimiento, el rigor de los orígenes y la libertad expresiva. Su ejemplo seguirá igual de vivo dentro de un siglo».

José Manuel Caballero Bonald sobre José Menese

Tras la presentación, os traemos una selección de Radio Alegría Libertaria de diferentes palos del flamenco y de diferentes épocas de su vida, que trata de reflejar también la diversidad de sus letras. Los temas 5 al 10 pertenecen al disco «José Menese en Theatre de L’Olympia», de 1975, con guitarra de Manolo Brenes. Estos son los temas que podréis escuchar tras la presentación:

01.- Faltitas a mi persona (Tientos, 1964). Guitarras: Melchor de Marchena y Eugenio Jiménez
02.- Qué bien me suena tu nombre (Bamberas, 1974). Guitarras: Melchor de Marchena y Enrique de Melchor
03.- Romance de Juan Garcia (Toná y martinete, 1968)
04.- Una familia honorable (Guajiras, 1976). Guitarras: Enrique de Melchor y Manolo Brenes
05.- Fuimos tirando (Mirabrás) (1975)
06.- Qué hermosa es la libertad (Garrotín, 1975)
07.- Que soy pieza de mal paño (Soleá, 1975)
08.- El torrente de un arroyo (Cantiña, 1975)
09.- Piensa en qué le puede doler (Tangos, 1975)
10.- Como aire Solano (Seguiriya, 1975)
11.- La casita que yo vivo (Caña, 1965). Guitarra: Melchor de Marchena
12.- Cuesta arriba te quiero ver (Tangos, 1974). Guitarra: Manolo Brenes
13.- Contra lo injusto luchar (Soleares, 1974). Guitarra: Melchor de Marchena
14.- Es preciso conquistar (Cartagenera). Guitarra: Enrique de Melchor

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Menese
https://grupoalmuzara.com/libro/9788417044107_ficha.pdf
https://elcorreoweb.es/la-voz-pura-que-nos-consolaba-CI2039554
http://www.cndm.mcu.es/sites/default/files/events/hand_programs/af_29oct18_homenaje_a_jose_menese.pdf

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.