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En el programa número 91 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, recordamos a Dmitri Dmítrievich Shostakóvich, compositor soviético nacido en San Petersburgo el 25 de septiembre de 1906. Se considera uno de los músicos más importantes del siglo XX.
Para comprender su música, es interesante saber que en su primera etapa comenzó con la idea de escribir composiciones para orquesta sin director, para plasmar las ideas comunistas igualitaristas también en el ámbito de la música; sin embargo, el gremio de directores se opuso fuertemente, y así, desistió de esa idea, aunque, dándole la vuelta, compuso obras en las que se daba el protagonismo a los instrumentos que suelen considerarse secundarios (violonchelo, metal, percusión…), para dejar atrás la música burguesa que daba la primacía al violín y al piano.
Su primer logro musical importante fue la Primera Sinfonía (estrenada en 1926), escrita como su pieza de graduación a la edad de 19 años. Se hizo famoso en los años iniciales de la Unión Soviética, con obras como la Sinfonía n.º 1 o con la ópera La nariz (1930), que combinaban con gran originalidad la tradición rusa y las corrientes modernistas procedentes de occidente.
Posteriormente, su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS).
Tras un período inicial en el que parecen primar las influencias de Serguéi Prokófiev, Ígor Stravinski y Paul Hindemith, Shostakóvich desarrolló un estilo híbrido del que es representativa su ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934).
El 26 de enero de 1936, Stalin fue a la ópera, acompañado por Vyacheslav Molotov, Andrei Zhdanov y Anastas Mikoyan, para escuchar a Lady Macbeth del distrito de Mtsensk. Él y su séquito se fueron sin hablar con nadie. Los relatos de testigos presenciales testifican que Shostakóvich estaba «blanco como una sábana» cuando fue a inclinarse después del tercer acto. En cartas a Sollertinsky, Shostakóvich relató el horror con el que vio a Stalin estremecerse cada vez que el metal y la percusión tocaban demasiado fuerte. Igualmente horrible fue la forma en que Stalin y sus compañeros se rieron de la escena de hacer el amor entre Sergei y Katerina. Al día siguiente, Shostakóvich se fue a Arkhangelsk, y estaba allí cuando escuchó el 28 de enero que Pravda había publicado una diatriba titulada Confusión en lugar de música, quejándose de que la ópera era un flujo de sonidos «deliberadamente disonante y confuso… donde se grazna, hay gritos y jadeos». Esta fue la señal para una campaña nacional, durante la cual incluso los críticos de música soviéticos que habían elogiado la ópera se vieron obligados a retractarse en forma impresa.
A partir de aquí, fue perseguido hasta la muerte de Stalin, tanto por medio de detenciones y ejecuciones de familiares suyos como de prohibición de su obra, combinado con paréntesis de exaltación, dependiendo del interés de Stalin.
Su mayor y más famosa contribución en tiempos de la segunda guerra mundial fue la Séptima Sinfonía (subtitulada Leningrado). Una obra épica, de denuncia del horror nazi y de épica y heroismo del pueblo soviético, o al menos eso es lo que difundió el regimen. Volkov dice que Shostakóvich, le confesó que el tema de la invasión no tiene nada que ver con el ataque. «Pensaba en otros enemigos de la humanidad cuando compuse este tema. No tengo nada en contra de denominar a la séptima sinfonía Leningrado, pero no se trata del Leningrado asediado, se trata del Leningrado que Stalin ha destruido y que Hitler no ha hecho más que acabar su obra».
La mayoría de las obras de Shostakóvich fueron prohibidas, y su familia tuvo privilegios retirados. Yuri Lyubimov dice que en este momento «esperó su arresto por la noche en el rellano del ascensor, para que al menos su familia no fuera molestada».
La música de Shostakóvich suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos, con un componente rítmico muy destacado. En su obra orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos; en su música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos para cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet.
La música que escuchamos tras la presentación es su Concierto para violonchelo y orquesta no.1 en Mi b Mayor, op. 107, compuesto en 1959 e interpretado por Yo-Yo Ma (violonchelo) y The Philadelphia Orchestra (1983). Tiene cuatro movimientos: I. Allegretto II. Moderato; III. Cadenza; IV. Allegro con moto
El violonchelista Mstislav Rostropovich, amigo y ex alumno de composición de Shostakovich en el Conservatorio de Moscú, llevaba años esperando a que este se decidiera a escribir un concierto para su instrumento, y aguardó pacientemente hasta julio de 1959. El 2 de agosto se desplazó a la ciudad del Volga para recoger la partitura en casa del compositor. El propio autor, quien dedicaría sus dos conciertos para violonchelo a tan afamado intérprete.
En el programa número 90 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, queremos felicitar el cumpleaños a Ivette Cepeda, intérprete cubana nacida en Sancti Spíritus (Cuba) el 25 de septiembre de 1963.
Ivette Cepeda. Virtuosa cantante cubana. Ivette canta sobre el escenario y el escenario es de ella: un río tumultuoso echa a andar por canciones de una amplia gama de compositores.
En noviembre del 2008 se presentó su primer concierto en solitario “Estaciones” en el Teatro del Museo de Bellas Artes, bajo la Dirección Artística General del afamado realizador Lester Hamlet. Mientras en diciembre de ese año lo hizo como invitada en el concierto de Raúl Paz, del Teatro Karl Marx
En el 2009 sus compromisos artísticos se han multiplicado incluyendo presentaciones en programas estelares de la TV y Radio Cubana.
En febrero del 2009, se presentó en el Teatro Karl Marx, en el espectáculo de la destacada directora Lizt Alfonso “Escenas de Vida”, compartiendo el rol protagónico de solista vocalista con Ele Valdés, del Grupo Síntesis.
De mayo a junio del 2009 realizó una gira por Dinamarca, Alemania y Suiza, junto con el grupo Reflexión, presentándose como figura invitada en el ya conocido “Festival Son de Cuba” que se realiza en dichos países hace varios años, compartiendo escenario junto a otros músicos cubanos, como David Álvarez.
Durante agosto presentó su espectáculo “Sin tu permiso Sabina” en la Sala Abril del Teatro Kart Marx.n el año 2010 tuvo un intenso programa de trabajo que incluyó La Gira Nacional del Concierto “Estaciones”, lanzamiento del disco “Estaciones”, Gira por Europa, Canadá, Japón y Argentina.
La música que escuchamos tras la presentación es una selección de Alegría Libertaria de música interpretada por Ivette Cepeda de canciones de amor de la Nueva trova cubana, creada por diferentes cantautores:
Ivette Cepeda
01.-Recordaré (de Donato Poveda) 02.- Una palabra (de Carlos Varela) 03.- Sin ir mas Lejos (de Marta Valdes) 04.- Tú eres la música que tengo que cantar (de Toni Pinelli) 05.- Ausencias (de Liuba María Hevia) 06.- Tal Vez (de Juan Formell) 07.- Presencia simplemente (de Ramiro Gutiérrez) 08.- Ay el Amor (de Mike Porcel) 09.- Canto 1 o El primer dia (de Vicente Feliu) 10.- Para cuando me vaya (de Amaury Pérez) 11.- Requiem (de Silvio Rodriguez) 12.- Es mas, te Perdono (de Noel Nicola) 13.- Para vivir (de Pablo Milanés)
En el programa número 89 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, recordamos a Alameda, banda de rock andaluz fusionado con cadencias de latin jazz o bossanova.
ALAMEDA
Alameda pertenece por derecho propio a los grandes del rock andaluz que escribieron historia en aquellos cercanos finales de los 70 como Medina Azahara, Mezquita, Cai, Iman Califato Independiente o Guadalquivir.
En este su primer álbum, «Alameda» (1980), que es el que escucharemos tras la presentación, bordan los temas (será por eso que el diseño de portada tiene un marco a crochet!), mostrando una mezcla de sinfonismo aflamencado y latin-jazz. «Amanecer en el puerto» es un tema que no debería pasar desapercibido para cualquier amante del rock sinfonico o del rock andaluz.
La virtud principal de Alameda consiste en acomodar algunas estructuras y herramientas del rock melódico elaborado dentro de un esquema musical que apuntaba a modernizar de forma estilizada lo flamenco; estos mismos ambientes flamencos aparecen en varias ocasiones fluidamente fusionados con cadencias de latin jazz o bossanova.
El nombre del grupo se debe a la Alameda de Hércules, y el motivo de elegir este nombre es porque siempre fue un punto de encuentro para ellos, se daba la circunstancia de que algunos de sus componentes eran vecinos del barrio, (Manolo Rosa y los hermanos Marinelli), que Pepe Roca estudiaba en el conservatorio que se encuentra en las cercanías, y que incluso su primer local de ensayo estaba en una calle paralela, la calle Feria,
Este grupo llegó a la escena andaluza en un álgido momento, una vez que el rock andaluz había sufrido su incomprensión, absorbido por el rock anglosajón y falta de medios. Su primer álbum fue como una llegada de aire fresco para los productores y los estudios abren sus puertas. Era el momento en que los músicos andaluces habían encontrado la inspiración en su tierra y el movimiento musical estaba conquistando toda la península.
Incluimos un fragmento de la entrevista de Pedro Preciado a Pepe Roca en el programa «Nuestra Gente» de Gines Televisión.
Pepe Roca
La música que escuchamos tras la presentación es su primer disco, que se tituló, también, «Alameda» (1980): 01.- Aires de Alameda 02.- La Pila del Pato (con guitarra de Enrique de Melchor) 03.- Ojos de Triste Llanto (con guitarra de Enrique de Melchor) 04.- Hacia el Alba 05.- Amanecer en el Puerto 06.- A la vera del «Jueves» (con Luis Cobos «Manglis» a la guitarra) 07.- Matices
Musicos: Jose Roca (Guitarra y voz) Rafael Marinelli (Teclados) Manuel Marinelli (Teclados) Manuel Rosa (Bajo) Luis Moreno (bateria)
CRÉDITOS
Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra
Fragmento de la entrevista de Pedro Preciado a Pepe Roca en el programa «Nuestra Gente» de Gines Televisión – https://youtu.be/vQ9yudN9Vd4
Este programa número 31 de Alegría Libertaria trata de cómo, de un hecho abominable como la esclavitud, surge algo que es constitutivo de lo que ahora conocemos como «lo andaluz», el flamenco, nuestras formas de relación… nuestra vida.
Fragmento de «Carroza del Aire», de Domingo Martínez (expuesto en el Museo de Bellas Artes de Sevilla)
El programa que estáis a punto de escuchar tiene cuatro partes:
Una primera parte de denuncia a las familias que se enriquecen con el esclavismo, que están asentadas en Sevilla y que en gran parte son originarias de Euskadi
Una segunda parte donde hablamos de las estrategias de la población negra de Sevilla para liberarse de la esclavitud
Una tercera parte, en la que ahondamos en la música y el mestizaje que da origen al flamenco; en esta parte participan también Rocío Márquez y Pedro Lópeh, además de traer las voces de Raúl Rodríguez, Ricardo Pachón, Manuel Molina y Matilde Coral
Y una cuarta parte en la que presentamos los temas seleccionados y después escuchamos todos los temas con continuidad, para poder disfrutarlos sin interrupciones de explicaciones o reflexiones.
Rocío Márquez y Pedro Lópeh
A lo largo del programa también hay otros temas musicales (música interbloques), que muestran que en el corazón del flamenco late sangre africana. Son temas actuales que van acompañando a nuestras palabras antes de entrar en la selección musical propiamente dicha.
01.- Razón de son (Intro) – Raúl Rodríguez (2014) Afro Flamenco Jam Show 2 (Glastonbury, 2018): Suntou Susso Fakoli (kora vocal & djembe), Jimmy Cantera (percusion & vocal), Cuffy Cuthbertson (guitarra), Samuel Jack (director).
02.- Flamenco & West African Griot Music. Djelicaló Afro Flamenco – Bulerias de Cádiz (I Encuentro Intercultural Ciudad de Utrera): Sirifo Kouyate (kora), Sakar Kouyate (voz), Joaquin de Sola (voz flamenca), Philip Adie (guitarra), Chardin Lopez (percusión).
03.- Si Supiera (Damajuana Sessions) – Raúl Rodríguez (extraído de ‘Razón de Son’, 2014, grabado en DamaJuana Bar de Jerez de la Frontera, Cádiz, en 2018)
04.- Sunu – Dem Dikk AfroFlamenco
05.- Mi Querida (Rumba Africana) – Hermanos Thioune (Sofar Gran Canaria, 2017)
Música final
01.- Una familia honorable (Guajiras), 1976 – José Menese, guitarras Enrique de Melchor y Manolo Brenes
02.- La Negra Tomasa (Rumba), en una recopilación de 2014 – Chano Lobato, guitarra Manolo Sanlúcar
03.- Epoca del Cometa (Milonga), en una recopilación de 1977 – Pepe Marchena, guitarra Paquito Simón
04.- Los Reyes de la Baraja (Tanguillos, Aires del Piyayo), 1978 – Paco Moyano, guitarras Francis Martin y Nano de Marbella
05.- La Chamelona (Tangos-Rumba), en una recopilación de 1992 – Pericón de Cádiz, guitarra Félix de Utrera
06.- La Ciencia del Querer (Zarabanda), 2015 – Laura Vital, guitarra de Niño de Pura
07.- Soniquete (bulerias), 1996 – Paco de Lucía
08.- Gugurumbé, Las raices negras, 2020. Proyecto dirigido por Fahmi Alqhai y Antonio Ruz, en el que participa Rocio Márquez
Documental «Triana Pura y Pura», dirigido por Ricardo Pachón en 2013 y que muestra una especie de fiesta de despedida que tuvo lugar en 1983 en el teatro Lope de Vega, en Sevilla
