NUESTRO PEQUEÑO MUNDO. La inversión de los valores dominantes

En este programa número 121 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, queremos recordar a Nuestro Pequeño Mundo, grupo de folk internacional y música de raíces ibéricas que estuvo activo entre 1967 y 1983.

Nuestro Pequeño Mundo

Además, escuchamos un fragmento de la entrevista a Laura Muñoz y Chema Martínez, dos de los componentes de NPM, realizada en 2020 por Discópolis, de Radio3, y que podéis escuchar íntegramente en este enlace.

La historia de Nuestro Pequeño Mundo (NPM) comenzó en 1967 con ocho componentes, aunque han ido pasando por la formación unas dieciocho personas. Pueden distinguirse dos etapas: una primera dedicada al folklore internacional, y una segunda en la que su música estaba más relacionada con raíces ibéricas y tradicionales.

Su primer éxito fue una versión de «Oh, Sinner Man«, que ya era popular en España gracias a Nina & Frederik. Fue lanzado como sencillo y más tarde formó parte de su primer LP, «El folklore de nuestro mundo«.

Dirigidos artísticamente por Carlos Guitart y supervisados musicalmente por Joaquín Díaz, los miembros de Nuestro Pequeño Mundo en sus tres primeros trabajos fueron Pilar Alonso «Pat», Laura Muñoz, Ignacio Sáenz de Tejada,​ Juan Alberto Arteche, Juan Ignacio Cuadrado, Chema Martínez, Jaime Ramiro y Gabriel Arteche.

Entre 1970 y 1973 finaliza la primera etapa, con la marcha de Juan Alberto Arteche y Nacho Sáenz de Tejada al grupo Aguaviva, del que tenemos también un programa en La Alegre Corchea Libertaria, por si lo queréis escuchar, y de Laura Muñoz, que se dedica a la carrera de soprano.

Además de sus LP, el grupo publicó numerosos sencillos. En el disco «Te añoro» (1980), con diez personas en la formación, se produjo una evolución en el sonido del grupo, dando más importancia a la parte instrumental. Fichan al extraordinario acordeonista Cuco Pérez, al batería Julio Cano y a la joven cantante Olga Román.

El último concierto lo ofrecieron el 12 de octubre de 1983, tras 16 años de azarosa carrera, eligiendo para su despedida el lugar donde nacieron musicalmente: La Universidad Complutense de Madrid, concretamente en el Colegio Mayor Pío XII.

La música que escuchamos tras la presentación es una selección de Alegría Libertaria, de diferentes épocas y estilos. Estos son los temas:

01.- Yerakina (1968, música popular adaptada por NPM)
02.- A cántaros (1975, letra y música de Pablo Guerrero)
03.- Vagabundear (1975, letra y música de Joan Manuel Serrat)
04.- Campesinos tristes (1975, letra y música de J. Nieto, B. Lauret y Salvador Tavora)
05.- Canción del pescador (1975, letra y música de Adolfo Celdrán y Carlos Álvarez)
06.- Cantemos (1974, letra y música de Emilio José)
07.- La señorita del abanico (1980, letra Federico García Lorca, música Paco Ibáñez, adaptada por NPM)
08.- La mora enamorada (1982, letra y música de Pablo Guerrero y Juan Arteche, violín de Fermín Aldaz).
09.- ¿Dónde vas, campurrianuca? (1982,tema popular castellano con adaptación de NPM y Alfredo Marugán)
10.- Sinner Man (1968, canción anónima de principios del siglo XX)
11.- Whiskey in the jar (1973, Canción tradicional irlandesa)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

PROGRAMAS RELACIONADOS

Aguaviva, una construcción colectiva
Pablo Guerrero, por lucha lo cotidiano
Censuradas, originales e inéditas de Cecilia

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Nuestro_Peque%C3%B1o_Mundo
https://www.rtve.es/alacarta/audios/discopolis/discopolis-10828-entrevista-nuestro-pequeno-mundo-16-01-20/5485420/

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Andy Palacio & The Garifuna Collective

En este programa número 108 de La Alegre Corchea Libertaria vamos a disfrutar de la música de Belice para traeros una mijita de la cultura garífuna.

Andy Vivian Palacio nació en Barranco, en la Honduras Británica, hoy Belice, el 2 de diciembre de 1960 y falleció en Ciudad de Belice el 19 de enero de 2008. Fue un músico y cantante beliceño que alcanzó celebridad a finales de los años ochenta, cuando se convirtió en el músico más conocido de Belice y en un importante defensor de la cultura garífuna.

La orquesta de Palacio, llamada «el Colectivo Garífuna», inventó el «punta rock», música inspirada en la danza tradicional de los garífunas, basada en ritmos tradicionales garífuna y mezclada con sintetizadores y teclados. Palacio cantaba en garífuna, en arawakano, español e inglés. Entre sus cinco discos destacan Nabi en 1990 y Wátima en 2007.

No solo era un músico popular en Belice, sino que también era un dedicado recopilador musical y cultural comprometido profundamente con al preservación de la particular cultura garífuna. Los garífuna son los descendientes de los indios arahuacos y esclavos africanos supervivientes del naufragio de dos barcos esclavistas españoles.

Belice no fue independiente hasta 1981, aunque el Reino Unido mantiene la monarquía del país.

Su disco “Wátina” recibió en octubre el premio Womex y la nominación para los premios de la BBC en la categoría de “world music”. Finalmente este álbum ha sido considerado como mejor disco del año según la prestigiosa World Music Chart Europe.

Wátina se grabó en la comunidad garífuna costera de Hopkins. «Nos llevamos los equipos a las comunidades donde queremos grabar y los montamos en una casa que alquilamos. Después volvemos al estudio para las mezclas. Trabajamos con muchos músicos tradicionales y llegar a un estudio lejos de casa, obligado a hacer algo en un tiempo determinado, les intimida», explica. «Los invitamos a estar en Hopkins el tiempo que quisieran. Si un día no se hacía nada no importaba. Lo único que queríamos era salir de allí con doce canciones muy buenas».

Es precisamente este disco, Wátina, el que vamos a escuchar a continuación:

  1. Wátina
  2. Weyu Lárigi Weyu
  3. Miami
  4. Baba
  5. Lidan Aban
  6. Gagánbadibá
  7. Beiba
  8. Sin Precio
  9. Yagane
  10. Águyuha Nidúheñu
  11. Ayó Da
  12. Ámuñegü

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Palacio
https://www.lossonidosdelplanetaazul.com/2008/01/muere-el-musico-beliceno-andy-palacio/
https://elpais.com/diario/2007/06/16/babelia/1181948785_850215.html

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Alan Stivell, el arpista en armonía con el entorno social y natural



En este programa número 55 de La Alegre Corchea Libertaria, felicitamos el cumpleaños a Alan Stivell, arpista y cantautor bretón que recuperó el arpa celta y creó nuevas formas de fusión del folk, el rock y las músicas del mundo.

Alan Stivell, seudónimo de Alan Cochevelou, nacido el 6 de enero de 1944, es un cantautor y arpista francés de Bretaña, conocido por fusionar la música tradicional bretona con sonidos contemporáneos como el rock, así como con las músicas de otros países célticos (Escocia, Irlanda, Gales).

Su nombre artístico, Stivell, significa en bretón «manantial que brota con fuerza».

Las letras de Stivell están escritas en gran variedad de idiomas: diversas lenguas celtas (principalmente bretón, la lengua de sus padres), francés e inglés. A menudo utiliza dos o más lenguas en un mismo tema.

Su vocación procede de un sueño de su padre, Georges Cochevelou: fabricar un arpa celta (telenn gentañ), instrumento olvidado en la música tradicional de Bretaña desde la Edad Media.

En 1953 toca el arpa en la Casa de Bretaña de París e inicia su aprendizaje del idioma bretón, interesándose igualmente en el idioma galés, el gaélico escocés y la mitología celta.  En 1963 graba su primer disco a 33 rpm, un disco instrumental en solitario (Telenn Geltiek – «Arpa Celta»). En 1968 graba dos discos sencillos y ofrece diversas actuaciones (incluyendo una en la Universidad de La Sorbona, en huelga, durante el Mayo francés).



Stivell ha introducido (o reintroducido, desde su punto de vista) el arpa celta en la música de Bretaña. También ha modernizado dicha música y ha contribuido enormemente a su difusión, tanto nacional como internacional. En sus inicios musicales, Stivell se hizo célebre por sus reelaboraciones del repertorio tradicional, con gran variedad de arreglos y ya entonces una clara influencia de la música gaélica (irlandesa y escocesa) y galesa. Más tarde, Stivell ha ido actualizando progresivamente su música con aportaciones diversas, logrando un estilo de folk-rock a la vez personal y ecléctico, muy sofisticado.



Aunque universalista (en sus grabaciones expresa a menudo su fe en la unidad y la reconciliación de todos los seres humanos) es asimismo un ferviente defensor de la autodeterminación bretona y del panceltismo. Algunos le reprochan, como al resto de panceltistas, su adscripción a un modelo romántico y erróneo del folklore bretón basado en una supuesta afinidad con la cultura musical de las islas británicas. Sin embargo, el valor de su obra y su importancia en la revitalización de la música de su tierra son hechos indiscutibles.

En diciembre de 1971 aparece un álbum emblemático, Renaissance de la Harpe Celtique (Renacimiento del Arpa Celta), que recibe el premio de la Academia Charles Cros y se convierte en disco de culto. Este es el disco que vamos a escuchar en este programa.

En 1985 Stivell ultima la creación de un nuevo instrumento: el arpa eléctrica. Ésta puede escucharse en su disco Harpes du Nouvel Âge, del mismo año.

«Renaissance de la Harpe Celtique» («Renacimiento del Arpa Celta») es un álbum discográfico de 1972 que revolucionó la conexión entre la música folclórica tradicional, la música rock moderna y las músicas del mundo.

El lanzamiento de este álbum con su fusión de música clásica, tradicional, folk y rock, su mezcla de instrumentos (violonchelo, arpa, guitarra eléctrica, batería tradicional y moderna) y su evocación de una atmósfera utópica y visión de los humanos en armonía con la naturaleza, inmediatamente lo estableció como un punto de referencia en el renacimiento de la música celta de la década de 1970.

El álbum influyó en muchos arpistas, bretones pero también internacionales. En el momento de su segundo álbum, en un año, la cantidad de arpas vendidas en Francia había llegado a miles.

El crítico musical Bruce Elder escribió:





«Las personas que escuchan este disco nunca vuelven a ser las mismas. Renaissance of the Celtic Harp, uno de los discos más bellos e inquietantes jamás realizados por nadie, presentó el arpa celta a muchos miles de oyentes en todo el mundo. Llamar a esta música hermosa y deslumbrante sería el colmo de la subestimación; de hecho, no hay palabras en el idioma inglés para describir este disco adecuadamente.

La obra de apertura, Ys, es una pieza inspirada en la leyenda de la capital del siglo V del reino de Cornwall, [la mayoría de las versiones de la leyenda ubican la ciudad en la bahía de Douarnenez en la costa de Bretaña] en la que hubo una gran inundación que la hizo desaparecer, castigo por sus pecados. El reflexivo Marv Pontkellec es sublimemente bello, pero lo más destacado de este disco es Gaeltacht, un viaje musical de 19 minutos con el arpa de Stivell a través de las tierras gaélicas de Irlanda, Escocia y la Isla de Man».

Estas son las composiciones que escucharemos a continuación:

1.- Ys (con elementos de los temas populares Gwerz Kér-Ys y Cuan Bhéil Innse)
2.- Marv Pontkalleg (canción bretona de Barzaz Breiz, antología de canciones bretonas)
3.- Ap Huw / Penllyn Profiad Y Botum / Llywelyn Ap Ifan Ab Y Gof (extraídas de manuscritos galeses)
4.- Eliz Iza (canción bretona de las montañas)

Gaeltacht. Viaje a través de los países gaélicos. En homenaje a Seán Ó Riada   
5.- Caitlin Triall
6.- Port Ui Mhuirgheasa
7.- Airde Cuan
8.- Na Reubairean
9.- Mélodie Manxoise
10.-Heman Dubh (canciones del trabajo de las Islas Hébrides)
11.-Gaelic Waltz
12.-Struan Robertson
13.-The Little Cascade
14.-Braigh Loch Lall
15.-Port An Deorai

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Alan_Stivell
https://fr.wikipedia.org/wiki/Renaissance_de_la_harpe_celtique

Verónica Condomí, la nómada al encuentro del canto colectivo


Repasando nuestros 50 programas, dedicamos esta efeméride a Verónica Condomí por su cumpleaños.

En este programa número 50 de La Alegre Corchea Libertaria, hablamos de Verónica Condomí, nacida el 30 de noviembre de 1960, cantante, compositora y guitarrista argentina que nos trae músicas populares de diversos lugares del mundo.

En los años 1970 formó parte de MIA (Músicos Independientes Asociados) el colectivo musical que la familia Vitale gestó durante los días arduos de la dictadura, de rock progresivo-, donde junto a Liliana Vitale creó un dúo de voces que registró los discos Danzas de Adelina (1981), Camasunqui (1984).

Participó de MPA (Músicos Populares Argentinos) junto a Jacinto Piedra, Peteco Carabajal, Chango Farías Gómez y el Mono Izarrualde, Un grupo iconoclasta que, ya desde su nombre, se desmarcaba de las cárceles estilísticas para abordar el folklore argentino sin ataduras. “Hasta ese momento, en el folklore nadie tocaba la batería, el bajo y menos la guitarra eléctrica –apunta Condomí-. De hecho, fuimos muy combatidos». Grabaron dos discos referenciales (Nadie más que nadie -1985- y Antes que cante el gallo -1987-).

En los 1990 formó parte del grupo La Nota Negra con Quique Condomí, Irene Cadario, Samy Mielgo y Abel Rogantini. Tocó junto a Javier Malosetti, Oscar Giunta y Ernesto Snajer antes de formar el trío Condomí, Snajer, Guevara. “De entrada, ya no hablaría más de folklore sino de Música Popular. Porque la música popular es la música de la gente que está viva y que vibra. Los encasillamientos no son buenos para esta época. Todo es tan amplio y tan mixturado… y me gusta que sea así. Yo siento que los esquemas del folklore, el jazz y el rock ya los rompí hace mucho”.

«Remedio pal alma» es un disco orgánico, preciosista y emotivo, arreglado con humildad. No por nada los músicos que funcionan como su columna vertebral son la propia Verónica y acaso dos de los instrumentistas más importantes de la actual escena folklórica: el percusionista Mariano ‘Tiki’ Cantero y el propio Snajer en la guitarra. «Remedio pal alma» está atravesado por la memoria de su padre, el cantor y compositor Miguel Condomí, desaparecido durante la última dictadura. Verónica recupera dos de sus composiciones y, en la dedicatoria, dice a los asesinos: “nadie puede desatar lo que la sangre une”. A esa curación se une el resto de la familia. Por allí está cantando Emme (la hija que comparte con Lito Vitale), su hermano Quique aportando violín y hasta su madre Guillermina Vera. A fin de cuentas, todo tiene el aroma de un asado familiar, aunque algo parece indicar, no se trató exactamente de una celebración.

“Mientras grabamos esta música tuve la sensación de curarme de algo. No sé de qué, pero me siento muy bien (…) tengo montones de heridas que tienen que ver con las cosas que me han tocado vivir. Y compartir la música con la gente que admiro, con los músicos amigos y con la familia son cosas que me hacen feliz y me curan”.

La música que escucharemos tras la presentación es el disco completo «Remedio pal alma» (2007):

1.- De los días los más lindos
2.- Andando
3.- Conmigo
4.- Tonada de luna llena
5.- Bereju
6.- Por qué si estás en mi, no estás conmigo
7.- Lucerito del alba
8.- Dos corazones
9.- Vidalita
10.-La canastita
11.-Díles río
12.-Preguntá vos chacarera
13.-La puerta del sol

FUENTES

http://eloficiodegraziano.blogspot.com/2011/05/veronica-condomi-melodias-sanadoras.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Ver%C3%B3nica_Condom%C3%AD

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra
Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Este es el listado de programas que hemos realizado hasta ahora en La Alegre Corchea Libertaria, que comenzamos a emitir el 20 de julio de 2018:
  1. Entrevista a Rafael Amor
  2. Entrevista a José Domínguez «El Cabrero»
  3. Amparo Ochoa. Canciones y vida
  4. El 68, Tlatelolco y el rock en México
  5. Miriam Méndez – Bach, Mozart y Paganini al piano flamenco
  6. A modo de cantos de ciego
  7. La Lira Libertaria
  8. Charlie Haden y Liberation Music Orchestra (fragmento) (1969)
  9. Foot Strompin Llion mixtape
  10. Ida Cox, blues subversivo y feminista
  11. Elisa Serna, una de las grandes cantautoras comprometidas
  12. Recordando a Elis Regina
  13. Fonofobia 1: Recopilación de música libertaria D-beat (punk)
  14. El Jueves, mercaíllo de Sevilla, y Rocío Márquez
  15. Miryam Quiñones, cantora
  16. Lucille Bogan, la cantautora del blues «sucio»
  17. En homenaje a Chicho Sánchez Ferlosio
  18. Recordando a Pedro Ruy-Blas
  19. Rock progresivo andaluz: GOMA
  20. Julia León, cantautora e investigadora del folklore
  21. Hilario Camacho
  22. Fonofobia 2: Grupos punk franceses
  23. Eva Cortés, «Crossing Borders»
  24. Cantautor Chico Buarque, el poeta de lo cotidiano
  25. Augusto Blanca, cofundador de la Nueva Trova Cubana
  26. Sui Generis: Andan diciendo por ahí que se perdió…
  27. Fonofobia 3: Compilación HC y D-BEAT punk por los rincones del planeta
  28. Woody Guthrie, el cantautor que surgió del polvo
  29. Rubén Blades, el poeta de la salsa
  30. Daniel Viglietti y «La canción de los prisioneros», recital inédito con Eduardo Galeano
  31. Fonofobia 4: Antología de la canción libertaria italiana 1864-1969
  32. José Afonso, un cantautor desempoderado
  33. Aguaviva, una construcción colectiva
  34. Gladys Bentley, blueswoman transgresora
  35. Léo Ferré, cantautor anarquista: contra el tópico, lo utópico
  36. Tomás Vera, carpintero y cantautor de acampadas
  37. Viajeros, vagabundeando entre culturas
  38. John Cage, el anarquista del silencio
  39. José Carbajal «El Sabalero». El cantautor anarquista que mandaron a Moscú
  40. Carmen París, mestizando…
  41. Isabel Parra, libertando gustos
  42. Cai, la primavera de nuestras mentes diminutas
  43. Noel Nicola, cantautor sin consignas
  44. Vinicius de Moraes, con María Creuza y Toquinho
  45. El rock sinfónico de los New Trolls
  46. Omara Portuondo, gracias por tus más de 70 años sobre los escenarios
  47. Julio Matito, cantautor de las praderas
  48. Luis Cobo, Manglis, el antilla de Triana
  49. Manolo Sanlúcar, entre la pureza y la vanguardia

Carmen París, mestizando…




Este programa número 40 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, hablamos de Carmen París, cantante, intérprete y compositora que hace su vida en Utebo, en la provincia de Zaragoza, y que ha trabajado para revolucionar la jota y fusionarla con el jazz y otras músicas del mundo.

Después de la presentación, podrá escucharse una selección de su música:
1.- Rompiendo la Hora
2.- Calle Melancolía
3.- En la costa suiza
4.- Jotera lo serás tú
5.- Para tu Boca
6.- inCubando
7.- Nana del Caballo Grande
8.- Ave del paraiso
9.- Mañana de Carnaval

Carmen París nació el 18 de septiembre de 1966 en Tarragona, pero vivió desde muy pequeña en Utebo –a muy pocos kilómetros de Zaragoza–.

Desde muy pequeña recibió una sólida formación musical, favorecida, en particular por su padre, «melómano convicto al que la guerra civil arruinó su vocación de trompetista».

«Mis padres –comenta Carmen– nos inculcaban la pasión por la música. Los cuatro hermanos hemos estudiado piano, y yo, que desde pequeña tenía muy claro que quería ser cantante, además aprendí solfeo, guitarra y a tocar el violonchelo».

«En mi opinión, no está todo inventado. Hay cosas que son resultado de un proceso de búsqueda y muchas otras que surgen por una evolución natural. En mi caso, empecé cantando en una orquesta, luego en un grupo que hacía versiones de «The Beatles», fui concertista de música barroca inglesa, cantante en un grupo de jazz y pasé por la copla, el cabaré. Paralelamente, fui creciendo como compositora, pero en el camino me alejé de la jota, que era lo que más cerca tenía. Hasta que me llegó la oportunidad de componer música para el espectáculo de jotas de un bailarín aragonés, Miguel Angel Berna. Y cuando vi cómo bailaba la jota y su forma de interpretarla, me apasioné y me volqué en ella».

FUENTES

https://www.carmenparis.net/bio
http://www.cancioncontodos.com/autor/carmen-paris

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra
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