Víctor y Diego, vida de barrio y convivencialidad

En este programa número 83 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, vamos a escuchar la música de Víctor y Diego, cantautores madrileños que nos traen olor a barrio y a revolución.

Estos son algunos fragmentos extraídos de su web http://www.victorydiego.com/:

Víctor Manuel Martín Rubio y Jesús de Diego Nieto, VICTOR Y DIEGO, nacen en pleno corazón de Madrid, en los alrededores del Rastro. Víctor, en la calle de Toledo, en la casa que se edificó en el solar del que fuera Teatro de Novedades, frente al Mercado de la Cebada. Diego, en la calle de Rodas, perpendicular a la de Embajadores, donde vivió hasta que su familia se trasladó a la calle de San Cayetano, muy cercana a la anterior. Entablan amistad durante el Bachillerato en el Instituto de San Isidro pegado a la que entonces era la Catedral de Madrid. Un ambiente castizo, el de sus primeros años, que marcaría gran parte de las historias costumbristas que más tarde se verían reflejadas en su trabajo.

Además de estudios y barrio, compartían otra cosa; ambos querían tener un grupo. Estamos en 1968 y en realidad, ése era el sueño de cualquier adolescente de la época. Víctor aprendía a tocar la guitarra robándole horas a los estudios y cantaba en el coro del Instituto. Diego dedicaba el tiempo a leer y a escribir sus primeros poemas. A la salida de clase, intercambiaban discos de los Beatles, los Stones, los Kinks, y pegaban la oreja al transistor para escuchar a Angel Alvarez, El Gran Musical…

Cuando terminan el Bachillerato se produce uno de esos lapsus que aparecerán durante toda su trayectoria. Diego comienza a trabajar como Técnico de iluminación en la compañía de Antonio Gades, de la que acabaría siendo durante un tiempo Director de Escena. Víctor por su parte, decide invertir las 300 pesetas que había conseguido juntar en matricularse en el Conservatorio de Música de Madrid.

Tras el paréntesis de la «mili», se encuentran en la plaza de Cascorro de Madrid. Alrededor de unas cañas, toman por fin la decisión de fusionar la capacidad de Víctor como compositor y el chorro creativo de Diego como contador de historias. Había nacido el dúo VICTOR Y DIEGO, y la fórmula que utilizarían a lo largo de toda su carrera: Víctor se ocuparía de las músicas y Diego lo haría de las letras.

VÍCTOR Y DIEGO comienzan a afianzar su excelente fama como brillantes compositores, hábiles fabricantes de armonías vocales y convincentes trovadores urbanos… Para algunos era la versión castiza de Simon & Garfunkel.

A pesar de que VÍCTOR Y DIEGO no eran unos cantautores políticos en el sentido estricto (sus letras dejaban caer mensajes con delicadeza, aunque en alguna ocasión tuvieran que vérselas con la censura), ambos decidieron zambullirse de lleno en todo lo que estaba pasando en nuestro país, en plena transición a la Democracia. Eso conllevaba apartarse de la actualidad musical, dejar de salir en televisión y dejar de sonar en la radio. Lo cual, unido al final de su contrato discográfico, creó la sensación de que VÍCTOR Y DIEGO habían desaparecido del mapa.

En realidad estaban sumidos en uno de sus lapsus discográficos. No volvieron a grabar hasta 1979, con el álbum «A volar», un disco excelente que sin embargo, veía la luz cuando los medios de comunicación se reservaban para propuestas como las de las bandas de Rock urbano, la movida madrileña… era un difícil momento para los cantautores. Pese a todo VÍCTOR Y DIEGO continúan en la carretera, y en 1980 acompañan a su amiga Pepa Flores, en una gira por diversas ciudades españolas. En 1983 viajan al Festival Internacional de Varadero (Cuba), compartiendo escenario con músicos tan admirados por ellos como Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, Milton Nascimento, Chico Buarque…

Pasan los años y VÍCTOR Y DIEGO solo se encuentran de forma esporádica. Hasta que finalmente la Historia se repite, y en uno de éstos encuentros, de manera tan natural como pasara en aquella otra reunión en un bar de la Cabecera del Rastro años atrás, deciden con la misma ilusión de aquellos días sumergirse de nuevo en la aventura que nunca ha dejado de apasionarles, y que no es otra que la de hacer canciones en las que cuenten y canten a todo aquello que es capaz de dejar un poso de emoción en sus vidas. Así es como se imbuyeron en la grabación de «Claroscuro», publicado en 2003, el último que han grabado hasta el momento.

La música que vamos a escuchar tras la presentación es una selección de La alegre corchea libertaria de sus tres primeros discos:

  1. El parque (Semblanzas, 1974)
  2. Sus labores (Víctor y Diego, 1979)
  3. Tres palomas (Víctor y Diego, 1979)
  4. El afilador (Semblanzas, 1974)
  5. El frutero (A vosotros, 1975)
  6. Mi escuela (Semblanzas, 1974)
  7. Solterías (Semblanzas, 1974)
  8. Ya no es el que era ayer (A vosotros, 1975)
  9. A la altura del viento (A vosotros, 1975)
  10. Tiempo de amor (Semblanzas, 1974)
  11. A vosotros (A vosotros, 1975)
  12. Oda a la integridad (A vosotros, 1975)
  13. Canción última (A vosotros, 1975)

CRÉDITOS

http://www.victorydiego.com/

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

SUNFAIA, la ecléctica mezcla sin complejos. Entrevista y canciones

Con un particular y reconocible sonido, Sunfaia es una banda madrileña que inició sus andanzas musicales en el año 2010. Integrada por Aitor Gascón (voz y guitarra), Karra Gahete (guitarra), Jorge Falcones (bajo) y Dani Enríquez (batería y percusión), Sunfaia se caracteriza por una filosofía abierta y sin complejos, propia de la vena creativa que comparten todos sus integrantes: “Todo lo que entra por nuestros oídos se mezcla en nuestro cerebro y nunca lo limpiamos.”

La mezcla de rock con trazas de grunge, stoner, reggae, funk o soul es la experimental nota de este grupo que gusta de la fluidez y la soltura a la hora de crear. “Cada tanto le pegamos patadas al manual”, dice Sunfaia, y sin dudas, se orientan en esa dirección porque entienden que “no hay evolución siguiendo la norma.”

Referencias y cruzamientos de influencias musicales personales, curiosidades y lecturas detonan los impulsos de experimentación de este grupo inclasificable. Mestizaje musical, desobediencia y libertad creativa se unen en la construcción colectiva de las canciones maduras y sólidas que se enorgullecen de tocar y compartir. “Disfrutamos cada fase del proceso”, cuentan, manteniendo la alegría y la pasión intactas que les hizo compartir la experiencia de autoproducir sus propios discos como La Resistance (2015) con el apoyo de amistades y varias personas en el financiamiento colectivo.

Luego de cuatro años, aparece su último disco Horizontes de sucesos (2019), un “proceso redentor” para sus integrantes en muchos sentidos. Conservando algunos matices de La Resistance, este disco juega con la velocidad, la intensidad y las sonoridades mezcladas de estilos de rock.

Entre la fluidez del caos creativo y la constancia del trabajo – algo que han demostrado en discos anteriores como The Secret Combustion (2012), el EP acústico Espontánea (2013) o el single Sunny nights (2014)-, Sunfaia es la ecléctica mezcla sin complejos.

Tras la presentación, acompañada de la canción “Los Dueños del Tiempo”, del disco Horizontes de sucesos, comienza la entrevista a Sunfaia. Luego, escucharemos las canciones elegidas por sus propios integrantes y una canción por parte de la anfitriona del programa.

  1. Noche de Luces – Horizontes de sucesos
  2. Wounded Knee – Horizontes de sucesos
  3. Marea Negra – Horizontes de sucesos
  4. Breve Historia del Mundo –La Resistance
  5. Wetiko- Horizontes de sucesos

Podés escuchar más de su música y ver sus videos en los siguientes enlaces:

https://sunfaia.bandcamp.com/ https://open.spotify.com/album/1vqN2hykhI6x3ObOriRURK?nd=1sHidh https://www.youtube.com/channel/UCD9Zqbu2vYTMzffpWgDbXQQ

O seguirles en sus redes sociales:

Twitter: https://twitter.com/sunfaia

Instagram: https://www.instagram.com/sunfaia/

Facebook: https://es-la.facebook.com/OficialSunfaia

CRÉDITOS:

Fotografía: PH Blanquinni /Gentileza Sunfaia
Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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Sara González, su voz se llama protesta y popular

En este programa número 81 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, os traemos la música de Sara González, cantautora y música de la nueva trova cubana.

Nace en Marianao, La Habana el 13 de julio de 1951. Su padre fue tabaquero y su madre costurera; ambos poseían un alto sentido de la cubanía y de la justicia, así como un enorme gusto por la música y el baile, todas esas cosas le fueron transmitidas a la pequeña Sara.

Imagen de La Jiribilla

Inició sus estudios de guitarra con Rafael Enrizo (Nené); posteriormente ingresó en 1966 en el Conservatorio Amadeo Roldán, donde estudió, hasta 1970, viola. Al inicio de los 70 realizó incursiones en el canto.

Durante su época de estudiante conoció a los jóvenes trovadores Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, quienes junto con Noel Nicola fundaron el Movimiento de la Nueva Trova, siendo uno de sus principales exponentes. Ellos la estimularon para que musicalizara los Versos Sencillos de José Martí -su primer disco LP- y de ahí nació su vinculación con ese movimiento musical, dentro del cual se ha caracterizado por ser la voz femenina más representativa.

Estudió en la Escuela Nacional de Instructores de Arte fue alumna de Leopoldina Núñez y Vicente González-Rubiera (Guyún); al terminar sus estudios se integró al cuerpo de profesores de esta institución. Recibió clases de composición, armonía y orquestación del maestro Leo Brouwer durante su estancia en el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (GES), en el cual ingresó en 1972, de esta etapa de su vida expresó:

La estancia en el Grupo me enseñó a trabajar en colectivo. Además, Leo nos enseñó, dilucidando problemas conceptuales y llevándonos a enfrentar la creación a partir de un criterio definido. En las clases analizábamos desde lo más popular hasta lo más complicado. Y no había convencionalismos. Leo llegaba y nos resumía los aspectos básicos de la armonía en diez minutos. En verdad, esa etapa de aprendizaje constituyó casi un privilegio como artista, porque no coinciden siempre el apoyo de una institución, un maestro semejante y compañeros como aquellos (…).

Integró un dúo ocasional con Pedro Luis Ferrer y luego formó parte de Los Dimos, con Georgia Guerra y Jesús del Valle (Tatica), con los que cantó obras de Silvio Rodríguez y Pablo Milanés. Sara también produjo música para cine, televisión y radio además de participar en varios discos colectivos junto a otras figuras del Movimiento de la Nueva Trova y en el GES.

«Su voz es potente, de buen timbre y amplia coloratura». Como creadora, según Víctor Casaus, sus canciones asumieron, «desde la autenticidad y el talento, el reto de la comunicación inmediata y del ejercicio de la épica en los grandes hechos históricos y en la acción cotidiana. La poesía y la música, puestos al servicio de un medio —el cine—que les determinaba los temas, salieron airosos, a punta de talento y autenticidad, dejándonos para la memoria de la cultura, por ejemplo, aquella reconstrucción del Programa del Moncada (“Su voz llena el salón/ solo quien fue tan herido/ la patria humillada ha visto…”), en que se desgranaban los temas sociales, considerados tantas veces como áridos y difíciles de traducir a los lenguajes del arte.

Ahí reside posiblemente la explicación para la maravilla de este misterio: aquellas canciones no pretendían traducir la historia a otro lenguaje, el del arte, sino que fundían en sus palabras —con “sangre del corazón y de la verdad que entraña”, como diría la propia Sara— las esencias de ambas expresiones de la creación humana, haciéndolas una sola, compleja e intensa, llena de retos, riesgos y búsquedas […]». Pero ella tiene una peculiar manera de expresar su manera de hacer y de donde viene: «Yo digo que el son es mi raíz, y al que pretenda devaluarme le propongo que traiga a Bach… a ver si puede repartir güiro, tumbadoras, claves, bongó e inspiración en cuatro voces.» En el Cubadisco 2002, obtuvo una nominación por su disco Sin ir más lejos.

Músicos acompañantes:
Sara González compartió el escenario con Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Augusto Blanca, Joan Manuel Serrat, Chico Buarque, Mercedes Sosa, Soledad Bravo, Daniel Viglietti, Pete Seeger, Roy Brown, Pedro Guerra, Beth Carvalho, Liuba María Hevia, Anabell López, Marta Campos y Heidi Igualada entre otros artistas.

La música que vamos a escuchar tras la presentación es el disco Mírame (1988) y, a partir de la canción 13, una selección de La alegre corchea libertaria:
01. Mírame (Pepe Ordás) *con Pepe Ordás
02. Querer tener riendas (Silvio Rodríguez) *con Silvio Rodríguez
03. Amor de millones (Sara González) *con Pepe Ordás
04. De donde viene el amor (Pepe Ordás)
05. Quiero hablar contigo (Carlos Puebla)
06. Dime dónde cantar (Sara González)
07. Al Caribe mi cantar (Sara González)
08. La guitarra (Otto Fernández, Amaury Pérez) *con Amaury Pérez
09. Nadie sabe de mi corazón (Ireno García)
10. Como una sola voz (Pepe Ordás)
11. Canción (Nicolás Guillén – Pablo Milanés) *con Pablo Milanés
12. Hay todavía una canción (Marta Valdés)
13. Yo soy el Punto cubano (Celina González/Reutilio Domínguez)
14. No lo van impedir (Amaury Pérez)
15. Son oscuro (Noel Nicola)
16. ¿Qué dice usted?
17. Yo sacaré lo que en el pecho tengo (José Martí)
18. Su nombre es pueblo (Eduardo Ramos)

CRÉDITOS

https://www.ecured.cu/Sara_Gonz%C3%A1lez

http://www.lajiribilla.co.cu/2012/n561_02/561_27.html

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Pata Negra: la pobreza como opción de libertad, anarquía y caos creativo

En este programa número 80 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, traemos este recuerdo de Sevilla, de la sevilla de la gente, con el grupo de blues, flamenco y rock Pata Negra.

Pata Negra fue una banda española de flamenco fundada, en 1978, en el barrio las 3000 Viviendas de Sevilla y liderada por los hermanos gitanos Raimundo Amador y Rafael Amador tras la disolución de su anterior grupo, Veneno (del que también formaba parte el músico Kiko Veneno).

Su estilo mezcla flamenco, rock y, sobre todo, blues (síntesis que el propio grupo llamaba «blueslería»). Su álbum «Blues de la Frontera» (1987) fue reconocido como uno de los mejores discos editados en España en la década de 1980.

Estos son algunos fragmentos de la entrevista a Marcos Gendre por la publicación de su libro: «Blues de la frontera. Anarquía y libertad de los Amador«, entrevista en el periódico Público.

¿Qué significó Pata Negra?
El comienzo y el fin de una revolución, que empezó con Veneno y Lole y Manuel, y que con ellos murió.

¿Qué pierden Rafael sin Raimundo y Raimundo sin Rafael?
Rafael Amador fue el único de los dos que consiguió sacar un disco a la altura de lo que habían hecho juntos, caso de Inspiración y locura. No obstante, pierde el orden que le daba su hermano.
En realidad, Raimundo perdió más que Rafael: la voz de su hermano, única e inimitable; el ingenio, el carisma y la intuición melódica; y la manera callejera de incorporar el blues, el swing y el jazz, adoptándolos desde el humor. Todo nace de la alegría, si bien era una broma muy seria que trascendía la gracia y que, a veces, rozaba lo amargo.
Por su parte, Rafael pierde un multinstrumentista espectacular, un bajo que hilaba las ideas y una telepatía que provocaba que un esbozo suyo abriese horizontes y fuera más lejos, como infelizmente se refleja en Como una vara verde.

Una anarquía que, según usted, describe mejor que nadie su Tío Bastián.
Nacieron de la libertad de la pobreza más absoluta. Tocaban doce horas seguidas sin la intención de grabar nada. Lo hacían de forma natural, por alegría. Si se hubiese registrado todo aquello, hoy tendríamos uno de los tesoros más grandes de la música mundial. Esa despreocupación por vender más discos y por cobrar royalties nacía de la anarquía. Nunca se plantearon romper moldes, ni fueron conscientes de lo que habían hecho. Se tomaban la vida por delante.

¿Cómo cambió la vida de aquellos chavales de las Tres Mil Viviendas?
Rafael sigue viviendo en las Tres Mil, algo que explica su concepción anárquica de entender la vida, su tradición, sus orígenes y, por supuesto, su idea de familia.

La música que puedes escuchar tras nuestra presentación es el disco «Guitarras Callejeras», grabado en 1978 y publicado en 1985, hace 35 años:
1.- Juan Charrasqueado
2.- Rock del Cayetano
3.- Morao Mellizo
4.- Ratitas Divinas
5.- Pata Palo
6.- La Pata Negra
7.- Los Managers

CRÉDITOS

https://www.publico.es/culturas/pata-negra-blues-frontera-rafael-raimundo-amador.html
http://flamencorock.blogspot.com/2011/04/rock-del-cayetano-pata-negra.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Pata_Negra

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Guillermina Beccar. Donaré

En este programa número 79 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, felicitamos el cumpleaños a Guillermina Beccar Varela, cantante folklórica argentina nacida el 29 de junio de 1970 en la provincia de Buenos Aires.

Guillermina Beccar Varela, mujer fresca, transparente, despliega su personalidad con aplomo. Eligió para su camino el canto nuestro.

Con su voz dulce y plena de matices, que ahondan y calan hasta el alma, con la potencia de un timbre utilizado con inteligencia, interpreta desde el corazón las letras cargadas de mensajes.

Cantó en el Obelisco de Buenos Aires ante 400.000 personas. En esa ocasión, fue dirigida artísticamente por Lito Vitale y compartió escenario con Teresa Parodi, Julia Zenko, Abel Pintos, Pedro Aznar, el Grupo Vocal Opus 4 y Chango Farías Gómez.

En 2001, fue invitada por Mercedes Sosa a cantar junto a ella en el Teatro Gran Rex. A partir de ahí, compartieron diversos escenarios, tanto en Argentina como en Europa.

Fue convocada por Teresa Parodi para realizar el espectáculo “Herederas del viento”, continuando una larga relación musical, con presentaciones en vivo. Joan Manuel Serrat la invitó en dos oportunidades para cantar a dúo en el Teatro Gran Rex en el año 2015.

En el transcurso de su carrera musical, Guillermina ha realizado un gran número de producciones discográficas y videos musicales con distintos invitados de renombre.

«Me emocioné mucho escuchando a Guillermina Beccar Varela esta mi canción «La Tangués». La comparto». Rafael Amor

La música que escucharemos después de la presentación es su disco «Donaré», publicado en 2010, su penúltimo disco, una apuesta más riesgosa, pero en el acercamiento al tango, la voz tierna de Béccar Varela suma intensidad y usa un repertorio bien elegido:
1 Que tango hay que cantar
2 La Tangués
3 Te quiero Buenos Aires
4 Y hoy te vi
5 Cuando tu no estas
6 Valsecito (valsinha)
7 El ultimo cafe
8 De Buenos Aires morena
9 El pequeño vals de las quimeras
10 Nieblas del Riachuelo
11 A un semejante
12 Donaré

CRÉDITOS

http://www.guillermina.com.ar/Biografia.asp
http://oscarpometti.blogspot.com/2010/10/cd-donare-de-guillermina-beccar-varela.html
https://www.clarin.com/discos/Guillermina_Beccar_Varela_0_BJtL8ahTwmg.html

Programas sobre Rafael Amor en nuestra radio:

Vinicius de Moraes, con María Creuza y Toquinho

Cantautor Chico Buarque, poeta de lo cotidiano

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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