Categoría: Jazz, blues, soul, funk, bossa nova, salsa

Programas de música diversa, de diferentes geografías y culturas, relacionada con el jazz, blues, soul, funk, bossa nova, salsa y otras

Emiliano Salvador, la convergencia entre el son y el latin jazz

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En este programa número 137 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, queremos recordar la música de Emiliano Salvador, pianista y compositor cubano de jazz latino y son jazz nacido en Puerto Padre el 19 de agosto de 1951.

Emiliano Salvador

Emiliano Salvador (Puerto Padre, 19 de agosto de 1951 – La Habana, 22 de octubre de 1992) fue un pianista y compositor cubano. Fue uno de esos músicos admirados por los propios músicos, y especialmente por los que tocan su instrumento. Se puede decir en este caso, que se trata de un pianista de pianistas. Se ha convertido en una leyenda no solo entre los cubanos, sino en todo el ámbito de la música afrocaribeña y el jazz latino.

Estudió percusión y piano en la Escuela Nacional de Arte y completó estudios posteriormente con Juan Elósegui, Federico Smith y Leo Brouwer. Integró el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC; fue pianista y arreglista del grupo de Pablo Milanés; acompañó a Silvio Rodríguez, Chico Buarque y al cuarteto brasileño MPB4.

Fundó y dirigió su propio grupo, que en diferentes momentos estuvo integrado por José Carlos Acosta, saxofón, tenor y soprano; Feliciano Arango, bajo eléctrico; Emilio del Monte, paila y drums; Rodolfo Valdés Terry, tumbadora y bongó. Según Leonardo Acosta, el mérito de Emiliano, musicalmente hablando, comienza con el hecho de que logró un estilo propio, orgánico y coherente, a partir de las raíces afrocubanas, el jazz, la música brasileña, el piano clásico y romántico y las influencias muy particulares de ciertos pianistas.

Según Ecured: «Los números originales de Emiliano, tales como Angélica, Poly, Una mañana de domingo o Mi contradanza, cada vez más interpretados por músicos y grupos de jazz cubanos, han venido a enriquecer el repertorio jazzístico cubano, dentro del cual pudieran muy bien convertirse en clásicos ya que reúnen todas las condiciones. ante todo fue un pianista de facultades extraordinarias como improvisador, y que como ya se señaló, supo forjarse su propio estilo. El tratamiento polifónico y polirrítmico está en la base misma de ese estilo, es decir, el piano concebido como una orquesta»

Tras la presentación, podrás escuchar su primer disco, «Nueva Visión» (1978 o 1979), y a continuación, a modo de bonus track, tres temas de su disco en solitario «Pianíssimo» (2000). Estos son los temas:

Nueva visión (1978/1979)

01.- Preludio Y Visión (Piano Solo)
02.- Nueva Visión
03.- Angélica
04.- Puerto Padre
05.- Son De La Loma
06.- Convergencia
07.- El Montuno
08.- Post-Visión (Piano Solo)

Emiliano Salvador: piano acústico, piano eléctrico
Paquito D’Rivera: saxo alto, flauta
Pablo Milanés: voz
Bobby Carcassés: voz
Jorge Varona: trompeta
Arturo Sandoval: trompeta
Adalbeto Lara Trompetica: trompeta
Manuel Guajiro Mirabal: trompeta
Andrés Castro: trompeta
Lázaro González: trombón
Ahmed Barroso: guitarra de 12 cuerdas
Arreglos de Emiliano Salvador

Bonus track (Pianíssimo, 2000)
Piano: Emiliano Salvador

09.- Poly
10.- Una mañana de domingo
11.- Mi contradanza

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://www.ecured.cu/Emiliano_Salvador
http://www.anapapaya.com/impres/i_esalva.html

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Memphis Minnie, blues de otro planeta

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Queremos dedicar este programa número 126 de La Alegre Corchea Libertaria a Minnie Lizzie Douglas, conocida como Memphis Minnie, fue una cantante, guitarrista y compositora de blues nacida en Algerie, Nueva Orleans (Luisiana) el 3 de junio de 1897. Se la considera una de las artistas de blues más influyentes.

Lizzie Douglas, conocida como Memphis Minnie, fue una cantante, guitarrista y compositora de blues nacida en Algerie, Nueva Orleans (Luisiana) el 3 de junio de 1897. Se la considera una de las artistas de blues más influyentes.

Pasó su infancia en una pequeña granja en Walls (Mississipi), cercana a la gran ciudad de Memphis, donde los Douglas se habían mudado cerca de 1910.

Aunque no se sabe mucho sobre ella, en 1992 Paul Garon publicó el libro «Woman with guitar: Memphis Minnie’s Blues» en el que recoge algunos aspectos de su vida. Era la mayor de 13 hermanos, y de pequeña trabajaba cantando en las calles de Memphis para conseguir algo de dinero (ahí adoptó el nombre de Kid Douglas). Aprendió a tocar el banjo con 7 años, influida por las bandas que tocaban por las calles en fiestas en Mississipi, y cuatro años después pudo tener una guitarra. Entre los 19 y los 23 años recorrió el sur trabajando en un circo.

Cuenta Dr. Mabuse Frankensguitar en su web que «algunos de los bluesman con los que trabajo Memphis admiten que ella los derrotó en un duelo de guitarra y dijeron que era la mejor guitarrista que hubieran escuchado. Su habilidad con la guitarra y la voz eran de otro planeta.

Minnie Memphis era lo suficientemente fuerte para soportar cualquier presión de la época e ignorar a los que creían que por ser mujer no podía tener salida en un mundo de hombres dentro del blues. Ella ignoró siempre estas chorradas y siguió en su camino con mucho éxito. Grabó para grandes sellos de la época (…). Era muy dura y así lo demuestra en sus grabaciones».

Grabó cerca de 200 canciones, de los cuales una cincuentena eran composiciones propias que interpretaron otr@s artistas, como escucharemos a continuación.

La música que escuchamos tras la presentación tiene dos partes: en la primera parte se escucharán cuatro temas como selección de versiones de composiciones de Memphis Minnie interpretadas por otras personas, y en la segunda parte, el disco recopilatorio de BD Music de canciones interpretadas por ella.

Estos son los temas que escucharemos tras la presentación:

01 – When the Levee Breaks – Led Zeppelin
02 – I’m Talking ‘Bout You – Eddie Lee Jones & Family
03 – What’s The Matter With The Mill – Muddy Waters
04 – Ain´t Nothin´In Ramblin – Jo Ann Kelly
05 – I’m a Bad Luck Woman
06 – Dirty Mother for You
07 – Meningitis Blues (feat. Memphis Jug Band)
08 – What’s the Matter with the Mill? (feat. Kansas Joe)
09 – I’m Going Back Home (feat. Joe Johnson)
10 – I Never Told a Lie
11 – Chickasaw Train Blues (Low Down Dirty Thing)
12 – Me and My Chauffeur Blues
13 – Kissing in the Dark
14 – Conjur Man
15 – Kidman Blues
16 – Down Home Girl
17 – My Baby Don’t Want Me No More

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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FUENTES

http://www.drfrankensguitar.com/mujeres-del-blues-parte-1-memphis-minnie/
https://es.wikipedia.org/wiki/Memphis_Minnie
http://www.stringsfield.com/blog/memphis-minnie-guitarrista-simpar/
https://www.youtube.com/channel/UCt4NdTKIWio4zO01m3jFGBA/about

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Billie Holiday, la «amarga fruta del sur»

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En este programa número 118 de La Alegre Corchea Libertaria, os traemos el recuerdo de Billie Holiday, cantante estadounidense de jazz considerada una de las voces femeninas más importantes e influyentes de este género musical.

Eleanora Holiday Fagan (Filadelfia, Pensilvania, 7 de abril de 1915 – Nueva York, 17 de julio de 1959), más conocida como Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una cantante estadounidense de jazz, considerada una de las tres voces femeninas más importantes e influyentes de este género musical, junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald.

Billie Holiday impregnaba sus canciones con una intensidad inigualable que, en numerosos casos, era fruto del traspaso de sus propias vivencias a las letras que cantaba. Su vida fue muy dura, marcada por la pobreza y la exclusión, y ni cuando llegó a la cúspide de su carrera pudo librarse de la segregación y el desprecio por ser mujer, negra y pobre.

Os recomendamos la lectura del artículo de Carlos Bouza, en Pikara Magazine, donde cuenta diferentes aspectos de su vida y de su lucha y del que hemos extraído algunos fragmentos.

En ocasiones, la humillación la perseguía incluso sobre las tablas, donde se veía obligada a teñirse la cara con betún, pues no resultaba “lo suficientemente negra” en comparación con el resto de los músicos.

En la primera parada de su gira en solitario, en 1939, en el Cafe Society, en el Greenwich Village neoyorquino, lugar frecuentado por la progresía de clase alta de la ciudad, tras finalizar el show, volvió a salir para brindar a la clientela la última interpretación de la velada. Y entonces comenzó a cantar:

De los árboles del sur cuelga una fruta extraña

Sangre en las hojas y sangre en la raíz

Cuerpos negros balanceándose

En la brisa sureña.

Aquí está la fruta para que la arranquen los cuervos

Para que la lluvia la tome, para que el viento la aspire

Para que el sol la pudra, para que los árboles la dejen caer

Es una extraña y amarga cosecha.

Y de repente, la canción cesó. Cuando las luces se encendieron, indicando el fin del concierto, no se escuchó ni un solo aplauso en la platea. Para entonces, Billie ya estaba vomitando en el camerino, extenuada por el voltaje de su interpretación. Con su evocación de los negros y negras ahorcados en el sur de los Estados Unidos, acababa de estrenar una de las composiciones capitales del siglo XX, fundando de paso la canción protesta moderna.

La música que escuchamos tras la presentación es el disco «Lady In Satin» (1958, remasterizado en 1997), con Ray Ellis y su orquesta. Estos son los temas que lo componen:

  1. I’m A Fool To Want You
  2. For Heaven’s Sake
  3. You Don’t Know What Love Is
  4. I Get Along Without You Very Well
  5. For All We Know
  6. Violets For Your Furs
  7. You’ve Changed
  8. It’s Easy To Remember
  9. But Beautiful
  10. Glad To Be Unhappy
  11. I’ll Be Around
  12. The End Of A Love Affair

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://www.pikaramagazine.com/2015/03/billie-holiday-cosecha-amarga/
https://es.wikipedia.org/wiki/Billie_Holiday

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Chano Domínguez. De Cai al mundo, rompiendo el agua

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En este programa número 117 de La Alegre Corchea Libertaria, felicitamos el cumpleaños a Sebastián Dominguez Lozano, más conocido como Chano Domínguez, que nació el 29 de marzo de 1960 en la ciudad de Cádiz (Andalucía).

Su vida musical empieza como tal cuanto tenía 8 años de edad a causa de su padre, el cual era un gran aficionado al género del Flamenco. Este primer contacto musical se dio por un regalo de cumpleaños para Chano por parte de su padre, que era nada más y nada menos que una guitarra flamenca.

De forma autodidacta, el para aquel entonces joven Chano Domínguez empezó a practicar de forma autodidacta, escuchando y tratando de emular el sonido de la guitarra que escuchaba de los discos de música flamenca de su padre, pasado así a tocar con sus amigos del barrio.

Cuando Chano tenía 12 años de edad, él conoce por primera vez el piano, introduciéndose a él gracias a que formaba parte del coro de su parroquia. Más adelante, habiéndose enamorado del sonido del piano, empieza a tocar en grupos de música comercial y folclórica por igual, llegando con esas ideas y contactos a los 18 años de edad, formando parte del grupo CAI y sacando su primer disco llamado “Más allá de las mentes diminutas”. Precisamente hicimos un programa en Alegría Libertaria sobre este disco de CAI, nuestro programa 42.

Gracias a CAI, el nombre de Chano Domínguez empieza a ser más sonado en España, convirtiéndolo a él en uno de los más grandes exponentes de lo que se conocía como “rock andaluz”.

Cai

Ya en 1992, Chano Domínguez decide probar la combinación del género que más había desarrollado hasta ahora (el jazz) con el género musical con el cual nació escuchando prácticamente (el flamenco), consolidando este nuevo subgénero para esa fecha con su grupo llamado Chano Dominguez Trío.

En 2007 lanzaría su proyecto más ambicioso: El NFS, acrónimo de las palabras “New Flamenco Sound”. Es una formación que cuenta con más de 10 músicos y de donde nació el disco NFS, una combinación única de flamenco y Jazz a partes iguales.

EL DISCO: Chano & Josele (2014)

Un día Chano Domínguez y Niño Josele se encontraron en Nueva York, invitados ambos a un homenaje a Miles Davis. Improvisaron un tema juntos porque… ya que estaban allí. “Me vine pensando qué bonito lo que he tocado con Chano, recuerda el guitarrista, y se lo conté a Fernando Trueba en una comida. Trueba llamó a Domínguez. Trueba dijo que ya lo intuía él. Y Trueba, que en el pasado ya enredó a músicos como Bebo y Chucho Valdés, Federico Britos, Jerry González o Diego el Cigala en discos a los que pronto se les quedó estrecha la etiqueta de jazz latino, ha vuelto a producir uno de esos álbumes condenados de antemano al cajón de los clásicos: Chano & Josele.

Piano contra guitarra. Más tirando a jazz que a flamenco. “La impronta de la improvisación está presente en el disco todo el tiempo, pero hay más melodía que improvisación. Es un disco en el que están presentes el jazz, el flamenco, el pop… es un disco de músicas del siglo XXI”, señala el pianista.

La música que escuchamos tras la presentación es, precisamente, el disco «Chano & Josele» (2014). Estos son los temas que lo componen:

  1. Alma de mujer (Ch. Domínguez)
  2. Django (J. Lewis)
  3. Because (J. Lennon/P. McCartney)
  4. Je t’attendral (M. Legrand)
  5. Lua Branca (Ch. Gonzaga)
  6. ¿Es esto una bulería? (J.J. Heredia «Josele”)
  7. Two for the road (H. Mancini)
  8. Rosa (Pixinguinha)
  9. Lulza (A. C. Jobim)
  10. Olha Maria (A.C. Jobim/V. de Moraes/Ch. Buarque)
  11. Solitude in Granada (Ch. Domínguez)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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Cai, la primavera de nuestras mentes diminutas

FUENTES

http://chanodominguez.net/
https://elpais.com/cultura/2014/06/10/actualidad/1402420283_423400.html

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Irakere, una vuelta de tuerca a la música popular cubana y a la identidad afro

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En este programa número 113 de La Alegre Corchea Libertaria, os traemos la música del grupo cubano Irakere, que desarrolló un importante trabajo en la música popular cubana y el Jazz Latino bajo la dirección de Chucho Valdés.

Irakere se conforma como tal en 1967 pero había empezado a trabajar mucho antes; en ese año precisamente van a una selección convocada en La Habana para organizar con los mejores músicos de entonces la Orquesta Cubana de Música Moderna. Al quedar este proyecto cada vez más controlado y abocado a una música más ligera, Chucho Valdés dio el paso de dar nombre a este proyecto en 1973: Irakere, que en lengua yoruba quiere decir “Vegetación”.

Es así como, partiendo de su nombre, trabajan con base en las raíces musicales afrocubanas. De esta manera, a través de la combinación, mezcla e interrelación de lo clásico, el impresionismo, el jazz, el rock y varias técnicas de composición logran pasearse por todos los estilos tales como la música bailable, la de concierto, la tradicional y la actual cubana.

Miembros fundacionales del Grupo Irakere (La Habana, 1973):

  • Jesús Valdés (Chucho), compositor, director y pianista;
  • Paquito D’Rivera (Paquito), saxofón alto, tenor, flauta y clarinete;
  • Carlos Averhoff, saxofón tenor, soprano, flauta y clarinete bajo;
  • Jorge Varona, trompeta, trombón de pistones y percusión;
  • Carlos del Puerto, bajo, guitarra bajo y tuba;
  • Carlos Emilio Morales, guitarra;
  • Bernardo García, drums y tambores batá;
  • Jorge Alfonso, tambores batá;
  • Enrique Pla, batería;
  • Carlos Barbón, güiro, chekeré y pandereta, y
  • Oscar Valdés, cantante, tumbadora (conga), tambores batá y bongó.

El grupo fue recibiendo nuevos integrantes que han ido aportando nuevos sabores al grupo, tales como Arturo Sandoval, Román Filiú, Armando Cuervo, Miguél Díaz, José Luis Cortés o Mayra Caridad Valdés.

Cuentan en la web Ecured que “la única alquimia de Irakere procede de la espontánea creatividad de sus integrantes. Al no existir ningún empeño comercial, se hacen innecesarias las prácticas de laboratorio, y el grupo puede interpretar una contradanza, un danzón, un son montuno o un cha cha chá sin temor a parecer “anticuados”, ya que de hecho están tocando al mismo tiempo otra cosa. Y sin proponérselo como meta, ni tener que inventar un nombre de “pega”, casi por un imperativo del propio material que trabajan, van surgiendo nuevas combinaciones rítmicas, hasta el punto en que el ritmo de Irakere resulta inconfundible entre los oyentes —o bailadores— cubanos».

Queremos recordar dos conciertos muy significativos: en 1978 acompañando al guitarrista y compositor Lew Brouwer en el Teatro Karl Marx de La Habana, y en 1990 en el concierto histórico de Silvio Rodríguez en Chile.

La música que escuchamos tras la presentación es una selección de su música realizada por Radio Alegría Libertaria a modo de muestra de su diversidad compositora:

01.-Bacalao con Pan
02.-Tema de Chaka
03.-La Explosión
04.-Valle Picadura
05.-Concierto para Metales
06.-Yemaya
07.-La Comparsa
08.-Juana Mil Ciento
09.-Encuentro
10.-La Resurrección (con Silvio Rodríguez)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://www.ecured.cu/Irakere
https://www.cubanet.org/cultura/los-50-anos-de-la-orquesta-cubana-de-musica-moderna/

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Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.