Tomás San Miguel a golpe de txalaparta

En este programa número 145 de La Alegre Corchea Libertaria, os acercamos a la música de Tomás San Miguel, compositor, acordeonista y pianista gasteiztarra de música folk, músicas del mundo, jazz y txalaparta.

Tomás San Miguel con los txalapataris Perli y Rubén, de Gerla Beti, y con Javier Paxariño (Fuente: La Voz de los Vientos)

Tomás San Miguel ha sido pionero en la incorporación de la txalaparta al contexto de las músicas actuales. Músico siempre inquieto en la búsqueda e investigación de nuevos horizontes sonoros al margen de fórmulas de moda y etiquetas preconcebidas. Así, melodías de acordeón y ritmos étnicos de txalaparta se fusionan con ritmos e instrumentos de diversas fuentes culturales, creando mezclas como etno-txalaparta, baiao-txalaparta, samba-txalaparta, fandango-txalaparta, trikitixa-trance-txalaparta, bertso-txalaparta, resultando una experiencia sonora única, estéticamente futurista e innovadora.

En el blog La Voz de los Vientos nos cuentan que comenzó tocando jazz y durante su periodo formativo en Estados Unidos llegó a tocar con alguno de los nombres más importantes del género como Gary Burton o Stan Getz. Antes de eso, había tocado en discos de Pedro Ruy-Blas (en “Luna Llena”, de 1975, ya coincidió con Jorge Pardo). Fue a su regreso cuando puso en marcha su primer proyecto personal: la Tomás San Miguel Band, donde fusionaría jazz, música latina y flamenco.

San Miguel ha hecho un poco de todo, desde colaboraciones en discos de otros artistas (participó, por ejempo, en “Omega” de Morente) hasta bandas sonoras o sintonías para RNE. En este programa queremos destacar su trilogía de la txalaparta, desarrollada en tres discos: Lezao (1994), Ten (1996) y Dan_Txa (2005).

Cuenta Fernando Neira en Babelia (El País), que «el compositor y pianista Tomás San Miguel, vitoriano de pro, había cumplido ya 31 años la primera vez que escuchó el repiqueteo de una txalaparta. Sucedió en el caserío de Lezao, a unos 30 kilómetros de Vitoria, en casa de su hermano el escultor Paco San Miguel. Una tarde de 1984 coincidieron allí Tomás y los txalapartaris Perdi y Rubén, que actuaban por toda Euskadi bajo el nombre de Gerla Beti. Cuando el pianista sintió el retumbar de las maquilas (mazas) sobre aquellos tablones de roble, comprendió, estremecido, que aquel ritmo primitivo pasaría a formar parte de su universo musical».

Además de con Jorge Pardo, en esta trilogía ha trabajado y grabado con Javier Paxariño (saxo, flauta e instrumentos de viento en general), el acordeonista Kepa Junkera (trikitixa y pandereta), Ibon Coterón (alboka), Pepe Pereira (bajo), Andreas Prittwitz (flauta), Pintu (txistu) y las voces de Víctor de la Torre, Fernándo Idiáquez y los miembros del Coro Samaniego. Tomás San Miguel toca teclados, percusiones y acordeón. En los dos primeros discos de la trilogía, la txalaparta ha sido de Gerla Beti (además de los irrintzis), y en el tercero, ha quedado en manos de Ttukunak, formado por Maika y Sara.

Tomás San Miguel con Ttukunak en la txalaparta

“Tomás San Miguel es un artesano. Con paciencia de arqueólogo ha buscado su propio lenguaje hasta lograr algo único. Probablemente lo andaba procurando, quizá sin siquiera saberlo, desde que marchó a estudiar a Estados Unidos donde llegaría a tocar con Stan Getz, Airto Moreira o Larry Coryell. O más tarde al lado de la banda alemana Dissidenten. Y lo encontró. Pero mucho más cerca de la casa en la que había nacido: en un caserío a los pies de la montaña de Iturrieta» Carlos Galilea (EL PAÍS).

La txalaparta es como un caballo salvaje, con la pareja de txalapartaris en calidad de domadores. Yo soy un músico académico que se ha dejado asilvestrar por la llamada de la tribu. Se trata de un proceso de adaptación recíproca

Tomás San Miguel

Tras la presentación, podrás escuchar una selección de Radio Alegría Libertaria de su trilogía de la txalaparta: LEZAO (1994), TEN (1996), y DAN_TXA (2005). Estos son los temas que podréis escuchar tras la presentación:

01.- No tienes elección (1994)
02.- Sideral (feat. Yolanda Mateos, Coro Samaniego, Javier Paxariño) (1996)
03.- Noche de San Juan (2005)
04.- Akelarre (con Javier Paxariño) (1994)
05.- Sambaparta (2005)
06.- Santa Agueda (feat. Javier Paxariño, Coro Samaniego) (1996)
07.- Maurizia (con Javier Paxariño) (1994)
08.- Zaldi Dantza (con Kepa Junkera) (1994)
09.- Dindon (feat. Kepa Junkera) (1996)
10.- Aleación en Danza (con Javier Paxariño) (1994)
11.- Aita (2005)
12.- Obertura de Lezao (con Javier Paxariño) (1994)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://elpais.com/diario/2006/03/25/babelia/1143245179_850215.html
https://www.redescena.net/espectaculo/23711/tomas-san-miguel-txalaparta/
http://vozdelosvientos.blogspot.com/2017/01/tomas-san-miguel-lezao-1994.html

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Jorge Pardo, vientos de libertad flamenca

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Mercedes Sosa. La voz que hace nacer el agua y las luciérnagas

En este programa número 131 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, os traemos la voz de Mercedes Sosa, nacida en San Miguel de Tucumán el 9 de julio de 1935 y fallecida el 4 de octubre de 2009 en Buenos Aires. Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la Nueva canción latinoamericana.

Mercedes Sosa

Aunque no hay duda de que es una cantante fundamental de la música latinoamericana, sus dos primeros discos pasaron desapercibidos y fue cuando Jorge Cafrune la invitó a subir al escenario del Festival de Cosquín de 1965, en contra de la comisión organizadora, y cantó el tema Canción del derrumbe indio de Fernando Figueredo Iramain, acompañada solo por su bombo (el programa incluye la presentación de Jorge Cafrune y el tema).

Así recuerda ese momento Mercedes Sosa:

Yo siempre tuve problemas con la comisión, no sé por qué… En ese tiempo porque era comunista, sigo siéndolo, pero por entonces era mala palabra. Canté con una cajita, nomás. Tuve un éxito muy grande, y ahí ya me contrató la Philips para grabar. Fue una actuación muy importante en mi carrera. Es más, fue la definitiva.

Mercedes Sosa

Mercedes Sosa trató de permanecer en la Argentina de la dictadura, pese a las prohibiciones y las amenazas, hasta que en 1978, en un recital en La Plata, fue cacheada y detenida en el propio escenario y el público asistente arrestado. Entonces, en 1979 se exilió en París y luego en Madrid.

La música que escuchamos tras la presentación es su disco Canciones con fundamento (1965), su segundo LP oficial, producido por su marido Manuel Óscar Matus, quien además la acompaña en guitarra. Estos son los temas que componen este disco:

01 Chacarera del 55 o [Del 55] (Hermanos Núñez)
02 El cachapecero (Ramón Ayala)
03 El cosechero (Ramón Ayala)
04 El jangadero (Ramón Ayala)
05 El viento duende (Armando Tejada Gómez – Óscar Matus)
06 Ky chororo (Aníbal Sampayo)
07 Zamba de los humildes o [La de los humildes] (Armando Tejada Gómez – Óscar Matus)
08 La Pancha Alfaro (Armando Tejada Gómez – Óscar Matus)
09 La zafrera (Armando Tejada Gómez – Óscar Matus)
10 Los inundados (Guiche Aizemberg – Ariel Ramírez)
11 Zamba de la distancia (Armando Tejada Gómez – Óscar Matus)
12 La zamba del riego (Armando Tejada Gómez – Óscar Matus)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://www.mercedessosa.org/biografia/
https://perrerac.org/argentina/mercedes-sosa-canciones-con-fundamento-1965/1288/
https://youtu.be/2hlqMiKYS8w
https://youtu.be/QzwL8C2hE6c
https://es.wikipedia.org/wiki/Mercedes_Sosa

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Julián Orbón, el famoso compositor desconocido

En este programa número 106 de La Alegre Corchea Libertaria os contaremos algunas cosas sobre Julián Orbón y su obra y escucharemos algunas de sus composiciones.

Julián Orbón, nacido en Avilés (Asturias) el 7 de agosto de 1925 y fallecido en Miami el 25 de mayo de 1991, es un compositor hispano-cubano reconocido mundialmente que reúne en su obra, como ningún otro compositor de su tiempo, la tradición musical española y la cubana (Gemma Salas, 1998). Se asentó en Cuba a los 15 años, allí formó parte del grupo Orígenes y del Grupo Renovación Musical dirigido por José Ardevol.

Después continuó su formación con Aaron Copland en el Berkshire Music Center en 1945. Muy pronto destacó como una de las grandes promesas de la música hispanoamericana, y ya en 1954 fue premiado con el premio Juan Landeta por su obra Tres Versiones Sinfónicas en el I Festival de Música de Caracas.

Con posterioridad, en el año 1958, adquiriría una gran popularidad no con una composición clásica, sino curiosamente por haber adaptado el poema Versos Sencillos de José Martí a la melodía popular Guantanamera, la cual desde entonces se canta con esa letra.

En 1960 fue invitado por el gobierno mexicano y, expresamente, por Carlos Chávez para trabajar como profesor asistente en su Taller de Composición del Conservatorio Nacional de Música, donde figuran entre sus alumnos más conocidos Eduardo Mata y Julio Estrada.

En 1963 deja México para dirigir un máster en composición en Estados Unidos, donde cuenta con el apoyo de amigos músicos como el guitarrista Andrés Segovia o el propio Copland. Va a residir en los Estados Unidos hasta el final de su vida.

Nunca volverá a Cuba, decepcionado con el camino que toma la revolución, decidió instalarse en Nueva York, donde se dedicó a la composición y a dar conferencias invitado por distintas universidades americanas.

Sus restos mortales reposan en Avilés, como último deseo del compositor, en el cementerio de La Carriona, desde el 2 de diciembre de 1991. A la ceremonia asistieron solamente los familiares y una amiga personal del compositor, sobrina de Federico García Lorca.

Llegó a convenirse en uno de los más grandes y universales compositores que Hispanoamérica ha tenido. Su música fue un reflejo de sí mismo, creó un estilo personal en el que estaban presentes los orígenes de la cultura hispanoamericana, las herencias y mitos de la música española, la música litúrgica católica y la música del siglo XX transportados a una dimensión mística llena de símbolos relacionados con su pensamiento estético.

En Radio Alegría Libertaria hemos seleccionado estas cuatro composiciones que compuso en cada una de sus tres etapas y su composición más popular para escucharlas tras nuestra presentación:

  1. Preludio y Danza para guitarra (1951), interpretada por el guitarrista salvadoreño Walter Quevedo-Osegueda (Piezas íntimas)
  2. Tres versiones sinfónicas (1958), interpretada por la Orquesta «Simón Bolívar» de Venezuela dirigida por el maestro Eduardo Mata. Suite o conjunto de danzas en tres partes: Pavana, Organum Conductus y Xylopone.
  3. Partitas (Nº 1) para clavecín (1963), interpretado por el clavecinista Rafael Puyana en 1966.
  4. Guantanamera, interpretada por 75 músicos y músicas cubanas a lo largo del mundo (Playing for Change)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

Gemma Salas Villar (1998). La confluencia de dos culturas en la música de Julián Orbón. Cuadernos de Música Iberoamericana, 6. https://revistas.ucm.es/index.php/CMIB/article/view/61239
http://ofcm.cultura.cdmx.gob.mx/node/343
https://es.wikipedia.org/wiki/Juli%C3%A1n_Orb%C3%B3n
https://youtu.be/eVTUwc8oh7A
https://youtu.be/uXQ32vOQWTU
https://youtu.be/blUSVALW_Z4
https://es.wikipedia.org/wiki/Guantanamera

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Evoéh, música dialéctica entre lo culto y lo popular



En este programa número 67 de La Alegre Corchea Libertaria, vamos a traer la música de Evoéh, proyecto musical de música fusión, mestizaje, poesía, tradición sefardí y música popular.

Evoéh es un proyecto de creación, reinterpretación y divulgación de la música y la poesía españolas, siempre a través de una visión singular y original. Llevan años trabajando en la frontera entre el arte culto y el arte popular, que es precisamente la línea fundamental que, desde hace siglos, ha nutrido a los grandes compositores y literatos españoles.





Por otra parte, la palabra Evoéh es un canto ceremonial o ritual en honor a Dionisio. Proviene de una interjección en griego, euoi, que es un grito de alegría. Está íntimamente relacionada con Orfeo, el mito más ligado a la música de nuestras raíces culturales.





Evoéh es un proyecto iniciado por Ariana Barrabés (voz) y Jesús Olivares (guitarra), en el año 2005 de la mutua admiración por la poesía y la música española, hundiendo sus raíces en los sonidos antiguos de la música tradicional sefardí, teñida suavemente por vibrantes bases rítmicas nacidas del jazz y la fusión, entremezclándose con una voz cálida, envolvente y llena de matices ancestrales.

Tratan de:
  • Impulsar el acceso a la cultura, en tanto que las obras poéticas de grandes autores de este país, como el genial León Felipe, se mantienen distantes del conocimiento común de la sociedad.
  • No todo el mundo tiene acceso a una educación musical culta, ni al circuito sinfónico. El formato en sexteto de Evoéh representa una pequeña orquesta que puede abrir el camino a la sensibilidad del público hacia la música clásica.
  • Ser una representación ecléctica y ecuánime de la gran variedad de músicas populares y cultas españolas.
  • Seleccionar nuestro material cuidadosamente para que la música y la poesía se conviertan en un medio de cambio social mediante la emoción, la reflexión y el reencuentro del público con nuestras raíces. Es decir, creemos que el arte transforma y sublima al individuo y a la sociedad.
La discografía de Evoéh comienza con el disco Cadencias, publicado en 2012, que resume los primeros siete años de trayectoria del conjunto, basado en poesía de Miguel Hernández, canto popular y clasicismo español.

Noviembre de 2015 fue la fecha de publicación del segundo disco, El poeta del viento: Homenaje a León Felipe, compuesto de 12 canciones sobre obras del poeta.

La música y canciones sefardíes constituyen la estructura sonora y poética del álbum publicado en 2016 Cantadme galanica: La magia en la voz de la mujer sefardí. Este es uno de los trabajos de Evoéh que de manera más destacable ha plasmado el crisol musical que representa la música sefardí adaptada a nuestro tiempo, basada en el eclecticismo y la variedad de sonidos y ritmos, del jazz a la tarantela, aires de seguidilla, canción renacentista y la estética otomana y marroquí.


En 2019 publicaron el disco Árbore da vida: Rosalía de Castro & cantos tradicionais galegos, en el que los versos de tradición popular gallega se encuentran con la poesía de Rosalía.

La música que escucharemos tras la presentación es una selección que hemos hecho en Radio Alegría Libertaria a modo de recorrido por su discografía:
1.- Tristes guerras (2020, Miguel Hernández)
2.- Carta (2012, Miguel Hernández)
3.- Cuentos (2015, “El poeta del viento: Homenaje a León Felipe”)
4.- Revolución (2015, “El poeta del viento: Homenaje a León Felipe”)
5.- Como tú (2015, “El poeta del viento: Homenaje a León Felipe”)
6.- Seré romero (2015, “El poeta del viento: Homenaje a León Felipe”)
7.- Pisando la nieve fría / Cuando vuelva de la siega (jotas populares)
8.- Coplas a la muerte de su padre (Jorge Manrique)
9.- Del salón en el ángulo oscuro (poema de Bécquer con música de Albeniz)
10.-Por qué lloras, blanca niña (2016, “Cantadme galanica: La magia en la voz de la mujer sefardí”)
11.-Durme, durme hermoso hijico (TV)
12.-As pedriñas choran (2019, “Árbore da vida: Rosalía de Castro & cantos tradicionais galegos”)
13.-Só qui só (Poema de Joan de Timoneda, Valància, segle XVI)

FUENTES

http://evoeh.es/
https://www.facebook.com/evoeh
http://el7set.es/art/26612/canciones-populares-y-musica-sefardi-con-el-duo-evoeh
https://www.youtube.com/channel/UCNNGiaekSXlxn2jAhgc8BSg

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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Tete Montoliu, el pianista que soñaba en colores



En este programa número 65 de La Alegre Corchea Libertaria, recordamos a Tete Montoliu (Barcelona, 28 de marzo de 1933-ibídem, 24 de agosto de 1997), pianista y compositor español de jazz, el primero que trascendió las fronteras y alcanzó nivel internacional. Su estilo está muy influenciado por artistas como Duke Ellington, John Coltrane, y Thelonious Monk.

Tuvo la suerte cuando él era un crío, con 14 años, de que su padre conociera al músico de jazz Don Byas, quien había ido a Barcelona para tocar en la misma orquesta en la tocaba su padre. Éste invitó un día a Don Byas a comer a su casa, y parece ser que Don Byas se enamoró de las paellas que hacía la madre de Tete, con lo cual se convirtió en un asiduo a la casa de los Montoliu, y allí el «nene» pudo, no sólo tocar jazz, sino conocer, hablar y ver como era un músico de jazz . Aunque Don Byas había acudido a Barcelona para tocar música comercial, en aquel momento ya era uno de los pivotes del estilo “be bop” que estaba empezando en los EE. UU. Por tanto, el hecho de conocer a Don Byas le marcó mucho como músico y como persona: siendo aún adolescente, le gustaba participar en las jam-sessions del Hot Club de Barcelona, llegando a liderar el primer cuarteto Be-Bop de España, compartiendo varias sesiones con el legendario saxofonista Don Byas entre el 46 y el 47.

Para elegir a sus compañeros de grupo, Tete Montoliú era muy exigente y tenía una rara cualidad: Tete no le preguntaba por los músicos que le gustaba, sino que le preguntaba por las novelas que había leído últimamente. Si el músico respondía: «pues no lo sé, hace tiempo que no leo», Tete me decía: «¡uh!, malo, este músico no sirve, nen». Tete Montoliu decía que, a la hora de tocar, le influenciaba más un relato de Cortazar que toda la discografía de Charlie Parker. Y eso él lo valoraba mucho: que los músicos no se centraran sólo en sus cosas, sino que fuesen abiertos. Cuando íbamos a un concierto, Tete siempre me preguntaba: ¿hay algún músico por aquí?, y a continuación decía: los músicos no van a los conciertos, no van al cine, no van al teatro, no leen, no van a las exposiciones…. entonces: ¿cómo pueden hacer arte si no hacen todo eso?

Mikel Jurado explica así la personalidad de Tete Montoliú: “Es complicado de explicar cómo era Tete Montoliu, puesto que si hablas con cien personas que le conocieron, cada una de ellas te va a dar una versión diferente. Y es así, porque yo me lo he encontrado. El ser ciego le marcó, por supuesto, eso es indudable. Hoy en día, un ciego puede desde utilizar un ordenador a esquiar o nadar, etcétera…, pero, una persona ciega en la Barcelona de los años treinta, y esto lo decía el propio Tete, además de ciega era considerada tonta. Es decir, el ciego era una persona a la que se le consideraba que no servía para nada. Entonces, él tuvo que luchar primero contra eso; después tuvo que luchar contra unos profesores que no querían enseñarle música porque era ciego y, por último, tuvo que luchar contra una sociedad que en ningún momento estaba preparada para los discapacitados. Todo eso marca un carácter desde dos puntos de vista: desconfianza y lucha. Desconfianza, porque no sabes lo que te rodea, por lo cual no te fías de nadie. Lucha, porque tienes que luchar para conseguir lo que quieres. Estas dos cosas le marcaron mucho. Hay una tercera que también le marcó a partir de los últimos quince años de su vida: una sordera que fue avanzando, y que a él le tenía muy asustado. Tete llegó a decir que, el día que me llegue a quedar sordo me tiro por la ventana, porque ciego y sordo ¿que puedo hacer en esta vida si no puedo ni siquiera escuchar música?. Afortunadamente eso no pasó. No obstante, a pesar de que Tete llevaba puesto un audífono de última generación y perfectamente diseñado, esa sordera provocó que Tete tuviese fama de persona que no quería hablar con la gente, de persona muy arisca, poco comunicativa, y muchas veces lo que ocurría era sencillamente que no se daba cuenta de que le estaban hablando, no se enteraba de lo que le estaban diciendo. Entonces había que acercarse a él y decírselo, tenías que hacerte entender”.

La música que escucharemos tras la presentación es el disco que publicó en 2007 la discográfica OK Records bajo el título de «Grandes Éxitos de Tete Montoliu»:
1.- We’ll Be Together Again
2.- My Funny Valentine
3.- I Can’t Get Started
4.- I Should Care
5.- Blues
6.- Sabor a Mí
7.- Noche en Tunicia
8.- Naima
9.- Paraules d’Amor
10.-El Cant dels Ocells
11.-Body and Soul
12.-Blue Bossa
13.-Manuel

FUENTES

http://tempodebolero.blogspot.com/2013/03/tete-montoliu-el-mejor-pianista-de.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Tete_Montoliu
https://elpais.com/diario/1980/10/29/ultima/341622007_850215.html

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra
Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.