Opus Ensemble, de lo culto a lo popular pasando por lo vanguardista

En este programa número 133 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, escucharemos la música de Opus Ensemble, conjunto de cámara portugués reconocido por su difusión de la música portuguesa y por su diversa y vasta discografía.

La música que escuchamos tras la presentación es una selección de Radio Alegría Libertaria que muestra diferentes aspectos de su obra. Estos son los temas que escucharemos a continuación:

01 Era um redondo vocábulo (de José Afonso, Filhos Da Madrugada Cantam José Afonso, 1994).

02 Três andamentos á procura de um quarteto»(António V.D’Almeida) (disco «94», 1993)

  • Adagio
  • Menuetto
  • Presto

03 Alecrim (Baixo-Alentejo) (Temas Do Cancioneiro Português, 1987)
04 Senhora do Almurtão (Temas Do Cancioneiro Português, 1987)
05 Menina estás à janela (con Vitorino) (Temas Do Cancioneiro Português, 1987)

06 Nuevo Tango Suite (Astor Piazzola) (1988)

  • Revolucionario
  • Tango seis
  • Contrabajísimo
Foto: Gruta de Carvalho

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://pt.wikipedia.org/wiki/Opus_Ensemble
https://www.rtp.pt/play/p1015/e308283/ponto-pt

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Julián Orbón, el famoso compositor desconocido

En este programa número 106 de La Alegre Corchea Libertaria os contaremos algunas cosas sobre Julián Orbón y su obra y escucharemos algunas de sus composiciones.

Julián Orbón, nacido en Avilés (Asturias) el 7 de agosto de 1925 y fallecido en Miami el 25 de mayo de 1991, es un compositor hispano-cubano reconocido mundialmente que reúne en su obra, como ningún otro compositor de su tiempo, la tradición musical española y la cubana (Gemma Salas, 1998). Se asentó en Cuba a los 15 años, allí formó parte del grupo Orígenes y del Grupo Renovación Musical dirigido por José Ardevol.

Después continuó su formación con Aaron Copland en el Berkshire Music Center en 1945. Muy pronto destacó como una de las grandes promesas de la música hispanoamericana, y ya en 1954 fue premiado con el premio Juan Landeta por su obra Tres Versiones Sinfónicas en el I Festival de Música de Caracas.

Con posterioridad, en el año 1958, adquiriría una gran popularidad no con una composición clásica, sino curiosamente por haber adaptado el poema Versos Sencillos de José Martí a la melodía popular Guantanamera, la cual desde entonces se canta con esa letra.

En 1960 fue invitado por el gobierno mexicano y, expresamente, por Carlos Chávez para trabajar como profesor asistente en su Taller de Composición del Conservatorio Nacional de Música, donde figuran entre sus alumnos más conocidos Eduardo Mata y Julio Estrada.

En 1963 deja México para dirigir un máster en composición en Estados Unidos, donde cuenta con el apoyo de amigos músicos como el guitarrista Andrés Segovia o el propio Copland. Va a residir en los Estados Unidos hasta el final de su vida.

Nunca volverá a Cuba, decepcionado con el camino que toma la revolución, decidió instalarse en Nueva York, donde se dedicó a la composición y a dar conferencias invitado por distintas universidades americanas.

Sus restos mortales reposan en Avilés, como último deseo del compositor, en el cementerio de La Carriona, desde el 2 de diciembre de 1991. A la ceremonia asistieron solamente los familiares y una amiga personal del compositor, sobrina de Federico García Lorca.

Llegó a convenirse en uno de los más grandes y universales compositores que Hispanoamérica ha tenido. Su música fue un reflejo de sí mismo, creó un estilo personal en el que estaban presentes los orígenes de la cultura hispanoamericana, las herencias y mitos de la música española, la música litúrgica católica y la música del siglo XX transportados a una dimensión mística llena de símbolos relacionados con su pensamiento estético.

En Radio Alegría Libertaria hemos seleccionado estas cuatro composiciones que compuso en cada una de sus tres etapas y su composición más popular para escucharlas tras nuestra presentación:

  1. Preludio y Danza para guitarra (1951), interpretada por el guitarrista salvadoreño Walter Quevedo-Osegueda (Piezas íntimas)
  2. Tres versiones sinfónicas (1958), interpretada por la Orquesta «Simón Bolívar» de Venezuela dirigida por el maestro Eduardo Mata. Suite o conjunto de danzas en tres partes: Pavana, Organum Conductus y Xylopone.
  3. Partitas (Nº 1) para clavecín (1963), interpretado por el clavecinista Rafael Puyana en 1966.
  4. Guantanamera, interpretada por 75 músicos y músicas cubanas a lo largo del mundo (Playing for Change)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

Gemma Salas Villar (1998). La confluencia de dos culturas en la música de Julián Orbón. Cuadernos de Música Iberoamericana, 6. https://revistas.ucm.es/index.php/CMIB/article/view/61239
http://ofcm.cultura.cdmx.gob.mx/node/343
https://es.wikipedia.org/wiki/Juli%C3%A1n_Orb%C3%B3n
https://youtu.be/eVTUwc8oh7A
https://youtu.be/uXQ32vOQWTU
https://youtu.be/blUSVALW_Z4
https://es.wikipedia.org/wiki/Guantanamera

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Shostakóvich, el compositor comunista que nunca quiso bailar con Stalin

En el programa número 91 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, recordamos a Dmitri Dmítrievich Shostakóvich, compositor soviético nacido en San Petersburgo el 25 de septiembre de 1906. Se considera uno de los músicos más importantes del siglo XX.

Para comprender su música, es interesante saber que en su primera etapa comenzó con la idea de escribir composiciones para orquesta sin director, para plasmar las ideas comunistas igualitaristas también en el ámbito de la música; sin embargo, el gremio de directores se opuso fuertemente, y así, desistió de esa idea, aunque, dándole la vuelta, compuso obras en las que se daba el protagonismo a los instrumentos que suelen considerarse secundarios (violonchelo, metal, percusión…), para dejar atrás la música burguesa que daba la primacía al violín y al piano.

Su primer logro musical importante fue la Primera Sinfonía (estrenada en 1926), escrita como su pieza de graduación a la edad de 19 años. Se hizo famoso en los años iniciales de la Unión Soviética, con obras como la Sinfonía n.º 1 o con la ópera La nariz (1930), que combinaban con gran originalidad la tradición rusa y las corrientes modernistas procedentes de occidente.

Posteriormente, su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS).

Cartel del estreno de Lady Macbeth de Mtsensk (1934)

Tras un período inicial en el que parecen primar las influencias de Serguéi Prokófiev, Ígor Stravinski y Paul Hindemith, Shostakóvich desarrolló un estilo híbrido del que es representativa su ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934).

El 26 de enero de 1936, Stalin fue a la ópera, acompañado por Vyacheslav Molotov, Andrei Zhdanov y Anastas Mikoyan, para escuchar a Lady Macbeth del distrito de Mtsensk. Él y su séquito se fueron sin hablar con nadie. Los relatos de testigos presenciales testifican que Shostakóvich estaba «blanco como una sábana» cuando fue a inclinarse después del tercer acto. En cartas a Sollertinsky, Shostakóvich relató el horror con el que vio a Stalin estremecerse cada vez que el metal y la percusión tocaban demasiado fuerte. Igualmente horrible fue la forma en que Stalin y sus compañeros se rieron de la escena de hacer el amor entre Sergei y Katerina. Al día siguiente, Shostakóvich se fue a Arkhangelsk, y estaba allí cuando escuchó el 28 de enero que Pravda había publicado una diatriba titulada Confusión en lugar de música, quejándose de que la ópera era un flujo de sonidos «deliberadamente disonante y confuso… donde se grazna, hay gritos y jadeos».​ Esta fue la señal para una campaña nacional, durante la cual incluso los críticos de música soviéticos que habían elogiado la ópera se vieron obligados a retractarse en forma impresa.

A partir de aquí, fue perseguido hasta la muerte de Stalin, tanto por medio de detenciones y ejecuciones de familiares suyos como de prohibición de su obra, combinado con paréntesis de exaltación, dependiendo del interés de Stalin.

Fuente: Gramscimania

Su mayor y más famosa contribución en tiempos de la segunda guerra mundial fue la Séptima Sinfonía (subtitulada Leningrado). Una obra épica, de denuncia del horror nazi y de épica y heroismo del pueblo soviético, o al menos eso es lo que difundió el regimen. Volkov dice que Shostakóvich, le confesó que el tema de la invasión no tiene nada que ver con el ataque. «Pensaba en otros enemigos de la humanidad cuando compuse este tema. No tengo nada en contra de denominar a la séptima sinfonía Leningrado, pero no se trata del Leningrado asediado, se trata del Leningrado que Stalin ha destruido y que Hitler no ha hecho más que acabar su obra».

La mayoría de las obras de Shostakóvich fueron prohibidas, y su familia tuvo privilegios retirados. Yuri Lyubimov dice que en este momento «esperó su arresto por la noche en el rellano del ascensor, para que al menos su familia no fuera molestada».

La música de Shostakóvich suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos, con un componente rítmico muy destacado. En su obra orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos; en su música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos para cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet.

La música que escuchamos tras la presentación es su Concierto para violonchelo y orquesta no.1 en Mi b Mayor, op. 107, compuesto en 1959 e interpretado por Yo-Yo Ma (violonchelo) y The Philadelphia Orchestra (1983). Tiene cuatro movimientos:
I. Allegretto
II. Moderato;
III. Cadenza;
IV. Allegro con moto

Fuente: Melómano

El violonchelista Mstislav Rostropovich, amigo y ex alumno de composición de Shostakovich en el Conservatorio de Moscú, llevaba años esperando a que este se decidiera a escribir un concierto para su instrumento, y aguardó pacientemente hasta julio de 1959. El 2 de agosto se desplazó a la ciudad del Volga para recoger la partitura en casa del compositor. El propio autor, quien dedicaría sus dos conciertos para violonchelo a tan afamado intérprete.

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Dmitri_Shostak%C3%B3vich
https://www.melomanodigital.com/concierto-para-violonchelo-y-orquesta-no-1-en-mi-b-mayor-op-107-de-dmitri-shostakovich/

IMÁGENES

http://www.gramscimania.info.ve/2011/03/contra-el-nazismo-la-septima-sinfonia.html
https://eltema8.com/2013/07/29/las-veinte-operas-de-dmitri-shostakovich/
https://www.melomanodigital.com/concierto-para-violonchelo-y-orquesta-no-1-en-mi-b-mayor-op-107-de-dmitri-shostakovich/

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Marcela Rodríguez. Música para denunciar la violencia y expresar la tristeza



En este programa número 69 de La Alegre Corchea Libertaria, vamos a celebrar el cumpleaños de Marcela Rodríguez, compositora mexicana de música clásica contemporánea nacida el 18 de abril de 1951, y escucharemos algunas de sus composiciones después de la presentación.

«Marcela Rodríguez nació en Ciudad de México el 18 de abril de 1951. Creció rodeada de músicos de la farándula, como Agustín Lara, José Alfredo Jiménez y Tata Nacho, que fueron amigos de sus padres. Tras iniciarse en la infancia de forma autodidacta en la guitarra popular, estudió seis años con Manuel López Ramos; sin embargo, años después descubrió la música contemporánea. Entre sus maestros se encuentran Mª Antonieta Lozano, Leo Brouwer y Julio Estrada, entre otros. Desde 1979 escribe continuamente música para teatro, trabajando con los principales directores de México.


Por su carácter franco y extrovertido, y quizá por la influencia del contexto familiar de su infancia, Rodríguez suele desplegar en su música un lenguaje directo y transparente, en el que las emociones desempeñan un papel vital. Su inclinación por la dramaturgia y las artes escénicas han moldeado gran parte de su obra. En sus óperas La sunamita (1991), Séneca, o no todo nos es ajeno (1993) y Las cartas de Frida (2010), interpreta a los cantantes desde la perspectiva del director teatral» (Roberto García Bonilla, 2001).

Su obra comprende: solos para diversos instrumentos, canciones, música de cámara, sinfónica y dos óperas. Desde 1979 escribe continuamente música para teatro, trabajando con los principales directores de México. También ha escrito música para danza.

Para la compositora Marcela Rodríguez es impensable separar su trabajo creativo de su contexto histórico, político y social.

«No puedo negar ni dar la espalda a la realidad. Uno siempre debe tener conciencia de ella; es muy fácil perderla, porque es muy sencillo vivir cómodamente, sin enterarse de nada».


Refiriéndose a México: «Estamos en un momento espantoso en este país y no se me antojaba hacer nada alegre. La situación es tan terrible que debemos tomar conciencia y manifestarnos con lo que cada uno hace, en mi caso, con la música».




«Tengo una profunda tristeza por nuestro país, por pensar que hay gente que se dedica a matar, a vender y comprar mujeres, niñas y niños. Tenemos que tomar conciencia de todo eso y repensar a nuestro país».

«El arte por el arte es también maravilloso, bellísimo, pero cuando todo está en orden. También soy capaz de hacer una obra que nada tenga que ver con lo que pasa en el entorno; no creo que sea una forma de mentir, pero no es algo que quiera ni me nazca hacer. Ahora tengo ganas de decir que estoy triste».

La música que escucharemos tras la presentación son tres tipos de obra diferentes que representan la diversidad de sus composiciones y de intérpretes que han tocado su música:

1.- Lumbre I (2002)
Jimena Giménez Cacho, violonchelo

2.- Segundo Concierto para Piano y Orquesta (2012)
Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez
Miguel Salmon Del Real, director
Carlos Salmeron, piano

3.- Adúltera enemiga (2000)
No. 1. Cierra el labio
No. 2. Que adornada primavera
No. 3. Tiempo lugar y ventura
No. 4. Tente liviana
No. 5. Yo, Señora
No. 6. Lo que con la boca niego
No. 7. Pluguiera a Dios
No. 8. Hame contado don Diego
Interpretes: Ana María Leoz, soprano; María Teresa Chenlo, clavecín. Dirección: Juan Trigos.

Este es un poema de Juan Ruíz de Alarcón, de la obra número 3 de su composición «Adúltera enemiga»:

No. 3. Tiempo lugar y ventura
María:
    Aprovechemos el tiempo,
 mi Dios, que si el tiempo pasa
 hallaré tiempo sin tiempo,
 porque el tiempo que se pasa 
 sin vos, no es buen pasatiempo.
    Si la gloria te asegura
 el llanto, alma, procura
 tu salvación, pues que vienes
 a ver que en las manos tienes
 tiempo, lugar y ventura.
    Ventura, tiempo y lugar
 tengo, Señor, y me atrevo
 con mis lágrimas llegar
 a vos cual Ícaro nuevo,    
 sol divino, mar de amar.
    Tiempo y lugar conocido
 veo, y quiero así buscaros,
 Señor, con pecho atrevido
 porque la gloria de amaros   
 muchas hay que la han tenido.
    No quiero por el dolor
 mis deseos malograr,
 dígalo el alma, Señor,
 y vos, pues queréis mostrar
 la quinta esencia de amor.
    David viéndose perdido
 a un pequé se ha reducido,
 y aunque le ven perdonado
 muchos la gloria han buscado 
 pero pocos han sabido.
    Pocos son, pues imaginan
 que con deleites y vicios,
 Señor, al cielo caminan
 y a los torpes ejercicios    
 más que a la virtud se inclinan.
    Si el descanso le asegura,
 Señor, al que por vos muere,
 vuestro amor,  ¿qué bien procura?
 ¡Qué ciego está el que no quiere        
 gozar de la coyuntura!


FUENTES

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Leo Brouwer, el compositor de las dos manos



En este programa número 62 de La Alegre Corchea Libertaria, vamos a felicitar el cumpleaños a Leo Brouwer, compositor, director y arreglista nacido en La Habana (Cuba) el 1 de marzo de 1939.

Esta es la música que escucharemos tras nuestra presentación:
Ilustración de Glenn Wolff
1.- Quinteto para guitarra y cuarteto de cuerda, compuesta en 1957, del concierto del 22 de mayo de 2016 en el Midtown Arts and Theater Center de Houston.
I. Allegro
II. Adagio
III. Allegro Vivace
Con los artistas: Thomas Echols, guitarra (invitado) | Matthew J. Detrick, violin I | Anabel Ramirez, violin II | Whitney Bullock, viola | Matthew Dudzik, chelo,

2.- Balada para dos poemas de Rubén Martínez Villena o la «Pupila insomne», del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, Volúmen 2 (1974). Texto: Rubén Martínez Villena. Música: Silvio Rodríguez y Emiliano Salvador.

3.- La Huida de los Amantes por el Valle de los Ecos, con Josué Tacoronte. Del Decameron Negro (1981). Autor: Leo Brouwer. Arreglo: Josue Tacoronte Otero.

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Leo_Brouwer
https://es.wikipedia.org/wiki/El_decamer%C3%B3n_negro
https://www.ecured.cu/Rub%C3%A9n_Mart%C3%ADnez_Villena

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.