Opus Ensemble, de lo culto a lo popular pasando por lo vanguardista

En este programa número 133 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, escucharemos la música de Opus Ensemble, conjunto de cámara portugués reconocido por su difusión de la música portuguesa y por su diversa y vasta discografía.

La música que escuchamos tras la presentación es una selección de Radio Alegría Libertaria que muestra diferentes aspectos de su obra. Estos son los temas que escucharemos a continuación:

01 Era um redondo vocábulo (de José Afonso, Filhos Da Madrugada Cantam José Afonso, 1994).

02 Três andamentos á procura de um quarteto»(António V.D’Almeida) (disco «94», 1993)

  • Adagio
  • Menuetto
  • Presto

03 Alecrim (Baixo-Alentejo) (Temas Do Cancioneiro Português, 1987)
04 Senhora do Almurtão (Temas Do Cancioneiro Português, 1987)
05 Menina estás à janela (con Vitorino) (Temas Do Cancioneiro Português, 1987)

06 Nuevo Tango Suite (Astor Piazzola) (1988)

  • Revolucionario
  • Tango seis
  • Contrabajísimo
Foto: Gruta de Carvalho

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://pt.wikipedia.org/wiki/Opus_Ensemble
https://www.rtp.pt/play/p1015/e308283/ponto-pt

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.

Shostakóvich, el compositor comunista que nunca quiso bailar con Stalin

En el programa número 91 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, recordamos a Dmitri Dmítrievich Shostakóvich, compositor soviético nacido en San Petersburgo el 25 de septiembre de 1906. Se considera uno de los músicos más importantes del siglo XX.

Para comprender su música, es interesante saber que en su primera etapa comenzó con la idea de escribir composiciones para orquesta sin director, para plasmar las ideas comunistas igualitaristas también en el ámbito de la música; sin embargo, el gremio de directores se opuso fuertemente, y así, desistió de esa idea, aunque, dándole la vuelta, compuso obras en las que se daba el protagonismo a los instrumentos que suelen considerarse secundarios (violonchelo, metal, percusión…), para dejar atrás la música burguesa que daba la primacía al violín y al piano.

Su primer logro musical importante fue la Primera Sinfonía (estrenada en 1926), escrita como su pieza de graduación a la edad de 19 años. Se hizo famoso en los años iniciales de la Unión Soviética, con obras como la Sinfonía n.º 1 o con la ópera La nariz (1930), que combinaban con gran originalidad la tradición rusa y las corrientes modernistas procedentes de occidente.

Posteriormente, su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS).

Cartel del estreno de Lady Macbeth de Mtsensk (1934)

Tras un período inicial en el que parecen primar las influencias de Serguéi Prokófiev, Ígor Stravinski y Paul Hindemith, Shostakóvich desarrolló un estilo híbrido del que es representativa su ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934).

El 26 de enero de 1936, Stalin fue a la ópera, acompañado por Vyacheslav Molotov, Andrei Zhdanov y Anastas Mikoyan, para escuchar a Lady Macbeth del distrito de Mtsensk. Él y su séquito se fueron sin hablar con nadie. Los relatos de testigos presenciales testifican que Shostakóvich estaba «blanco como una sábana» cuando fue a inclinarse después del tercer acto. En cartas a Sollertinsky, Shostakóvich relató el horror con el que vio a Stalin estremecerse cada vez que el metal y la percusión tocaban demasiado fuerte. Igualmente horrible fue la forma en que Stalin y sus compañeros se rieron de la escena de hacer el amor entre Sergei y Katerina. Al día siguiente, Shostakóvich se fue a Arkhangelsk, y estaba allí cuando escuchó el 28 de enero que Pravda había publicado una diatriba titulada Confusión en lugar de música, quejándose de que la ópera era un flujo de sonidos «deliberadamente disonante y confuso… donde se grazna, hay gritos y jadeos».​ Esta fue la señal para una campaña nacional, durante la cual incluso los críticos de música soviéticos que habían elogiado la ópera se vieron obligados a retractarse en forma impresa.

A partir de aquí, fue perseguido hasta la muerte de Stalin, tanto por medio de detenciones y ejecuciones de familiares suyos como de prohibición de su obra, combinado con paréntesis de exaltación, dependiendo del interés de Stalin.

Fuente: Gramscimania

Su mayor y más famosa contribución en tiempos de la segunda guerra mundial fue la Séptima Sinfonía (subtitulada Leningrado). Una obra épica, de denuncia del horror nazi y de épica y heroismo del pueblo soviético, o al menos eso es lo que difundió el regimen. Volkov dice que Shostakóvich, le confesó que el tema de la invasión no tiene nada que ver con el ataque. «Pensaba en otros enemigos de la humanidad cuando compuse este tema. No tengo nada en contra de denominar a la séptima sinfonía Leningrado, pero no se trata del Leningrado asediado, se trata del Leningrado que Stalin ha destruido y que Hitler no ha hecho más que acabar su obra».

La mayoría de las obras de Shostakóvich fueron prohibidas, y su familia tuvo privilegios retirados. Yuri Lyubimov dice que en este momento «esperó su arresto por la noche en el rellano del ascensor, para que al menos su familia no fuera molestada».

La música de Shostakóvich suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos, con un componente rítmico muy destacado. En su obra orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos; en su música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos para cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet.

La música que escuchamos tras la presentación es su Concierto para violonchelo y orquesta no.1 en Mi b Mayor, op. 107, compuesto en 1959 e interpretado por Yo-Yo Ma (violonchelo) y The Philadelphia Orchestra (1983). Tiene cuatro movimientos:
I. Allegretto
II. Moderato;
III. Cadenza;
IV. Allegro con moto

Fuente: Melómano

El violonchelista Mstislav Rostropovich, amigo y ex alumno de composición de Shostakovich en el Conservatorio de Moscú, llevaba años esperando a que este se decidiera a escribir un concierto para su instrumento, y aguardó pacientemente hasta julio de 1959. El 2 de agosto se desplazó a la ciudad del Volga para recoger la partitura en casa del compositor. El propio autor, quien dedicaría sus dos conciertos para violonchelo a tan afamado intérprete.

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Dmitri_Shostak%C3%B3vich
https://www.melomanodigital.com/concierto-para-violonchelo-y-orquesta-no-1-en-mi-b-mayor-op-107-de-dmitri-shostakovich/

IMÁGENES

http://www.gramscimania.info.ve/2011/03/contra-el-nazismo-la-septima-sinfonia.html
https://eltema8.com/2013/07/29/las-veinte-operas-de-dmitri-shostakovich/
https://www.melomanodigital.com/concierto-para-violonchelo-y-orquesta-no-1-en-mi-b-mayor-op-107-de-dmitri-shostakovich/

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José de Lima Siqueira, el compositor de las partituras rojas

En este programa número 78 de La Alegre Corchea Libertaria recordamos a José de Lima Siqueira, maestro, compositor y acadêmico brasileño nacido el 24 de junio de 1907 en Conceição, Estado de Paraíba.

Una figura incomparable en el mundo cultural brasileño, fue expulsado (1969) por la dictadura militar por tener relaciones con el comunismo. Habiéndole prohibido enseñar, grabar y dirigir en Brasil, encontró refugio en la Unión Soviética, donde dirigió la Orquesta Filarmónica de Moscú. En Moscú es donde se ha publicado y conservado una buena parte de su trabajo, mientras que en Brasil el gobierno militar se encargó de deshacerse de él.

También se le debe la creación de la Orquesta de Cámara de Brasil, la Sociedad Artística Internacional, el Clube do Disco y la Orden de Músicos de Brasil. También publicó varios libros de texto como Canto Dado en XIV Lições, Música para Juventude, en cuatro volúmenes, Sistema Trimodal Brasileño, Curso de Instrumentación, entre otros.

Murió a la edad de 78 años, en la ciudad de Río de Janeiro, el 22 de abril de 1985, dejando una vasta obra compuesta de óperas, cantatas, conciertos, oratorios, sinfonías e incluso música de cámara, para instrumentos solistas y para voz.

La música que escucharemos tras la presentación son cinco obras:
01.- Tres estudios para Fagot y Piano (1969?)
I. Ad libitum; Allegro
II. Tempo di Modinha
III. Allegro scherzoso
Barrick Stees, fagot
Randall Fusco, piano

02.- Nesta Rua
Lyudimila Felipe – Voz
Reinaldo Tavares – Guitarra

03.- Concertino para Viola e Orquestra (1969)
Orquestra Sinfônica Nacional (OSN) de Brasil
Frederick Stephany, viola

04.- Toada para Cordas
Orquestra Sinfônica Nacional (OSN) de Brasil
Frederick Stephany, viola

05.- Sinfonia V «Indígena» (1977)
I – Devagar – Allegro Moderato
II – Andante
III – Allegro non troppo
IV – Devagar – Allegro Moderato
Orquestra Sinfônica de Barra Mansa
Directora: Apo Hsu

CRÉDITOS

https://pt.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_de_Lima_Siqueira

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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Wim Mertens. La revolución tranquila del pianista



En este programa número 72 de La Alegre Corchea Libertaria, felicitamos el cumpleaños a Wim Mertens, compositor y pianista nacido en Neerpelt (Bélgica) el 14 de mayo de 1953, y escucharemos su música después de la presentación.

Wim Mertens (Neerpelt, Bélgica, 14 de mayo de 1953) es un compositor, cantante contratenor, guitarrista, pianista y musicólogo belga. Mertens estudió Ciencias Sociales y Políticas en la Universidad de Lovaina (graduándose en 1975), así como Musicología en la Universidad de Gante. También estudió Teoría Musical y piano en el Real Conservatorio de Gante y en el Real Conservatorio de Bruselas. En 1978, se convirtió en productor en el entonces BRT (Radiotelevisión Belga)

Compositor afamado, Mertens da múltiples conciertos anuales por todo el mundo, generalmente en uno de los formatos siguientes:
  • Wim Mertens Solo o Solo Piano, como solista de piano y voz.
  • Wim Mertens Duo, acompañado en algunos casos de violín, violonchelo y en otros de un saxofón soprano.
  • Wim Mertens Trio, con violín, violonchelo, piano y voz.
  • Wim Mertens Ensemble, con un conjunto de diferentes voces e instrumentos (Contrabajo, violonchelo, 2 violines, piano y voz).
  • Wim Mertens con orquesta.

Dice Ismael G. Cabral que asistió a su concierto del 1 de febrero de 2020 en el Teatro Lope de Vega de Sevilla:

«Siempre he pensado en Mertens como un vanguardista. Si se quiere, a la contra. Pero tampoco tanto. Desde luego al belga no le gusta el adjetivo. Porque él mismo lleva años, en unas entrevistas que insisten en preguntarle una y otra vez por lo mismo, instalado en la desafectación hacia la música de sus colegas contemporáneos.


Mertens es un enorme melodista. Seguramente el mejor de toda la segunda mitad del siglo XX. Por eso se le consiente -y por eso le ha ido tan bien- ser quien es. Crea con muy pocos elementos, insiste una y otra vez en los mismos patrones, sus obras parecen escritas con tiralíneas, con toda la estructura ahí, al aire. Piezas que se engarzan unas con otras formando un edificio que alguien hubiera dejado abandonado con los andamios puestos. No cincela sus partituras, no las adorna. Antagonista de lo barroco, prima el ritmo, la desnudez, lo obstinado y solo de vez en cuando se permite alguna veleidad un poco más dramática.

Hay algo muy orgánico en cada presentación de Mertens, y esta vez no fue una excepción. Sus conciertos no son un engranaje perfecto; no todo está en su sitio, no todo ocurre de la misma forma que la vez anterior. Él dice que sus (muchos) discos son como las maquetas de los conciertos. Que lo de verdad, lo fetén, sucede en el directo. Como expresó en una entrevista, «yo sé que me comunico mejor cuando no necesito de tanta precisión, algo que me oprime, me limita y me produce malestar».



Su capacidad para ir del pasado al presente le siguen delatando como un artista en constante ebullición. Con reiteradas ovaciones del público se abrochó su nueva presentación; la de este titán de la modernidad al que seguir admirando y tolerando en su contestataria heterodoxía

La música del documental brasileño «Nós que aqui estamos por vós esperamos» (1999), de Marcelo Masagão, es íntegramente compuesto por obras clásicas de Win Mertens, como «Struggle for Pleasure», «Maximizing the Audience», «Darpa», «4 mains», entre otras. Es una obra inspirada en la lectura cinematográfica de «La era de los extremos», del historiador británico marxista Eric Hobsbawm. También compuso la música de otras dos películas dirigidas por Masagão: «1,99: um supermercado que vende palavras» y «Otávio e as Letras».

La música que escucharemos tras la presentación es una selección de composiciones suyas que recogen sus diferentes composiciones y agrupaciones de su vida musical tan prolífica:

01.- Their Duet con Wim Mertens Ensemble (1993)
02.- No Testament (1989)
03.- In 3 or 4 days con Tenerife Symphony Orchestra (2008)
04.- Apatride (2019)
05.- La fin de la visite (1999)
06.- Maximizing the audience con Wim Mertens Ensemble (2005)
07.- Often a bird con Tenerife Symphony Orchestra (2008)
08.- Usura Early Works con Wim Mertens Ensemble (1983)
09.- 4 Mains con Wim Mertens Ensemble (2005)
10.- Struggle for pleasure con Wim Mertens Ensemble (2005)
11.- Hedgehog’s skin con Wim Mertens Ensemble (2005)
12.- A secret burning con Wim Mertens Ensemble (2005)

FUENTES

https://www.wimmertens.be/
https://www.syntorama.com/artista/wim-mertens/
https://scherzo.es/wim-mertens-el-vanguardista-que-no-queria-serlo/
https://es.wikipedia.org/wiki/Wim_Mertens
https://pt.wikipedia.org/wiki/N%C3%B3s_que_Aqui_Estamos_por_V%C3%B3s_Esperamos

Documental completo: Nós que aqui estamos por vós esperamos




Película «1,99: um supermercado que vende palavras»:




Vídeo «Espacios y tiempos cotidianos»:

ESPACIOS Y TIEMPOS COTIDIANOS from unilco on Vimeo.


Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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Marcela Rodríguez. Música para denunciar la violencia y expresar la tristeza



En este programa número 69 de La Alegre Corchea Libertaria, vamos a celebrar el cumpleaños de Marcela Rodríguez, compositora mexicana de música clásica contemporánea nacida el 18 de abril de 1951, y escucharemos algunas de sus composiciones después de la presentación.

«Marcela Rodríguez nació en Ciudad de México el 18 de abril de 1951. Creció rodeada de músicos de la farándula, como Agustín Lara, José Alfredo Jiménez y Tata Nacho, que fueron amigos de sus padres. Tras iniciarse en la infancia de forma autodidacta en la guitarra popular, estudió seis años con Manuel López Ramos; sin embargo, años después descubrió la música contemporánea. Entre sus maestros se encuentran Mª Antonieta Lozano, Leo Brouwer y Julio Estrada, entre otros. Desde 1979 escribe continuamente música para teatro, trabajando con los principales directores de México.


Por su carácter franco y extrovertido, y quizá por la influencia del contexto familiar de su infancia, Rodríguez suele desplegar en su música un lenguaje directo y transparente, en el que las emociones desempeñan un papel vital. Su inclinación por la dramaturgia y las artes escénicas han moldeado gran parte de su obra. En sus óperas La sunamita (1991), Séneca, o no todo nos es ajeno (1993) y Las cartas de Frida (2010), interpreta a los cantantes desde la perspectiva del director teatral» (Roberto García Bonilla, 2001).

Su obra comprende: solos para diversos instrumentos, canciones, música de cámara, sinfónica y dos óperas. Desde 1979 escribe continuamente música para teatro, trabajando con los principales directores de México. También ha escrito música para danza.

Para la compositora Marcela Rodríguez es impensable separar su trabajo creativo de su contexto histórico, político y social.

«No puedo negar ni dar la espalda a la realidad. Uno siempre debe tener conciencia de ella; es muy fácil perderla, porque es muy sencillo vivir cómodamente, sin enterarse de nada».


Refiriéndose a México: «Estamos en un momento espantoso en este país y no se me antojaba hacer nada alegre. La situación es tan terrible que debemos tomar conciencia y manifestarnos con lo que cada uno hace, en mi caso, con la música».




«Tengo una profunda tristeza por nuestro país, por pensar que hay gente que se dedica a matar, a vender y comprar mujeres, niñas y niños. Tenemos que tomar conciencia de todo eso y repensar a nuestro país».

«El arte por el arte es también maravilloso, bellísimo, pero cuando todo está en orden. También soy capaz de hacer una obra que nada tenga que ver con lo que pasa en el entorno; no creo que sea una forma de mentir, pero no es algo que quiera ni me nazca hacer. Ahora tengo ganas de decir que estoy triste».

La música que escucharemos tras la presentación son tres tipos de obra diferentes que representan la diversidad de sus composiciones y de intérpretes que han tocado su música:

1.- Lumbre I (2002)
Jimena Giménez Cacho, violonchelo

2.- Segundo Concierto para Piano y Orquesta (2012)
Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez
Miguel Salmon Del Real, director
Carlos Salmeron, piano

3.- Adúltera enemiga (2000)
No. 1. Cierra el labio
No. 2. Que adornada primavera
No. 3. Tiempo lugar y ventura
No. 4. Tente liviana
No. 5. Yo, Señora
No. 6. Lo que con la boca niego
No. 7. Pluguiera a Dios
No. 8. Hame contado don Diego
Interpretes: Ana María Leoz, soprano; María Teresa Chenlo, clavecín. Dirección: Juan Trigos.

Este es un poema de Juan Ruíz de Alarcón, de la obra número 3 de su composición «Adúltera enemiga»:

No. 3. Tiempo lugar y ventura
María:
    Aprovechemos el tiempo,
 mi Dios, que si el tiempo pasa
 hallaré tiempo sin tiempo,
 porque el tiempo que se pasa 
 sin vos, no es buen pasatiempo.
    Si la gloria te asegura
 el llanto, alma, procura
 tu salvación, pues que vienes
 a ver que en las manos tienes
 tiempo, lugar y ventura.
    Ventura, tiempo y lugar
 tengo, Señor, y me atrevo
 con mis lágrimas llegar
 a vos cual Ícaro nuevo,    
 sol divino, mar de amar.
    Tiempo y lugar conocido
 veo, y quiero así buscaros,
 Señor, con pecho atrevido
 porque la gloria de amaros   
 muchas hay que la han tenido.
    No quiero por el dolor
 mis deseos malograr,
 dígalo el alma, Señor,
 y vos, pues queréis mostrar
 la quinta esencia de amor.
    David viéndose perdido
 a un pequé se ha reducido,
 y aunque le ven perdonado
 muchos la gloria han buscado 
 pero pocos han sabido.
    Pocos son, pues imaginan
 que con deleites y vicios,
 Señor, al cielo caminan
 y a los torpes ejercicios    
 más que a la virtud se inclinan.
    Si el descanso le asegura,
 Señor, al que por vos muere,
 vuestro amor,  ¿qué bien procura?
 ¡Qué ciego está el que no quiere        
 gozar de la coyuntura!


FUENTES

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

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