Chano Domínguez. De Cai al mundo, rompiendo el agua

En este programa número 117 de La Alegre Corchea Libertaria, felicitamos el cumpleaños a Sebastián Dominguez Lozano, más conocido como Chano Domínguez, que nació el 29 de marzo de 1960 en la ciudad de Cádiz (Andalucía).

Su vida musical empieza como tal cuanto tenía 8 años de edad a causa de su padre, el cual era un gran aficionado al género del Flamenco. Este primer contacto musical se dio por un regalo de cumpleaños para Chano por parte de su padre, que era nada más y nada menos que una guitarra flamenca.

De forma autodidacta, el para aquel entonces joven Chano Domínguez empezó a practicar de forma autodidacta, escuchando y tratando de emular el sonido de la guitarra que escuchaba de los discos de música flamenca de su padre, pasado así a tocar con sus amigos del barrio.

Cuando Chano tenía 12 años de edad, él conoce por primera vez el piano, introduciéndose a él gracias a que formaba parte del coro de su parroquia. Más adelante, habiéndose enamorado del sonido del piano, empieza a tocar en grupos de música comercial y folclórica por igual, llegando con esas ideas y contactos a los 18 años de edad, formando parte del grupo CAI y sacando su primer disco llamado “Más allá de las mentes diminutas”. Precisamente hicimos un programa en Alegría Libertaria sobre este disco de CAI, nuestro programa 42.

Gracias a CAI, el nombre de Chano Domínguez empieza a ser más sonado en España, convirtiéndolo a él en uno de los más grandes exponentes de lo que se conocía como “rock andaluz”.

Cai

Ya en 1992, Chano Domínguez decide probar la combinación del género que más había desarrollado hasta ahora (el jazz) con el género musical con el cual nació escuchando prácticamente (el flamenco), consolidando este nuevo subgénero para esa fecha con su grupo llamado Chano Dominguez Trío.

En 2007 lanzaría su proyecto más ambicioso: El NFS, acrónimo de las palabras “New Flamenco Sound”. Es una formación que cuenta con más de 10 músicos y de donde nació el disco NFS, una combinación única de flamenco y Jazz a partes iguales.

EL DISCO: Chano & Josele (2014)

Un día Chano Domínguez y Niño Josele se encontraron en Nueva York, invitados ambos a un homenaje a Miles Davis. Improvisaron un tema juntos porque… ya que estaban allí. “Me vine pensando qué bonito lo que he tocado con Chano, recuerda el guitarrista, y se lo conté a Fernando Trueba en una comida. Trueba llamó a Domínguez. Trueba dijo que ya lo intuía él. Y Trueba, que en el pasado ya enredó a músicos como Bebo y Chucho Valdés, Federico Britos, Jerry González o Diego el Cigala en discos a los que pronto se les quedó estrecha la etiqueta de jazz latino, ha vuelto a producir uno de esos álbumes condenados de antemano al cajón de los clásicos: Chano & Josele.

Piano contra guitarra. Más tirando a jazz que a flamenco. “La impronta de la improvisación está presente en el disco todo el tiempo, pero hay más melodía que improvisación. Es un disco en el que están presentes el jazz, el flamenco, el pop… es un disco de músicas del siglo XXI”, señala el pianista.

La música que escuchamos tras la presentación es, precisamente, el disco «Chano & Josele» (2014). Estos son los temas que lo componen:

  1. Alma de mujer (Ch. Domínguez)
  2. Django (J. Lewis)
  3. Because (J. Lennon/P. McCartney)
  4. Je t’attendral (M. Legrand)
  5. Lua Branca (Ch. Gonzaga)
  6. ¿Es esto una bulería? (J.J. Heredia «Josele”)
  7. Two for the road (H. Mancini)
  8. Rosa (Pixinguinha)
  9. Lulza (A. C. Jobim)
  10. Olha Maria (A.C. Jobim/V. de Moraes/Ch. Buarque)
  11. Solitude in Granada (Ch. Domínguez)

CRÉDITOS

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

PROGRAMA RELACIONADO

Cai, la primavera de nuestras mentes diminutas

FUENTES

http://chanodominguez.net/
https://elpais.com/cultura/2014/06/10/actualidad/1402420283_423400.html

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Wim Mertens. La revolución tranquila del pianista



En este programa número 72 de La Alegre Corchea Libertaria, felicitamos el cumpleaños a Wim Mertens, compositor y pianista nacido en Neerpelt (Bélgica) el 14 de mayo de 1953, y escucharemos su música después de la presentación.

Wim Mertens (Neerpelt, Bélgica, 14 de mayo de 1953) es un compositor, cantante contratenor, guitarrista, pianista y musicólogo belga. Mertens estudió Ciencias Sociales y Políticas en la Universidad de Lovaina (graduándose en 1975), así como Musicología en la Universidad de Gante. También estudió Teoría Musical y piano en el Real Conservatorio de Gante y en el Real Conservatorio de Bruselas. En 1978, se convirtió en productor en el entonces BRT (Radiotelevisión Belga)

Compositor afamado, Mertens da múltiples conciertos anuales por todo el mundo, generalmente en uno de los formatos siguientes:
  • Wim Mertens Solo o Solo Piano, como solista de piano y voz.
  • Wim Mertens Duo, acompañado en algunos casos de violín, violonchelo y en otros de un saxofón soprano.
  • Wim Mertens Trio, con violín, violonchelo, piano y voz.
  • Wim Mertens Ensemble, con un conjunto de diferentes voces e instrumentos (Contrabajo, violonchelo, 2 violines, piano y voz).
  • Wim Mertens con orquesta.

Dice Ismael G. Cabral que asistió a su concierto del 1 de febrero de 2020 en el Teatro Lope de Vega de Sevilla:

«Siempre he pensado en Mertens como un vanguardista. Si se quiere, a la contra. Pero tampoco tanto. Desde luego al belga no le gusta el adjetivo. Porque él mismo lleva años, en unas entrevistas que insisten en preguntarle una y otra vez por lo mismo, instalado en la desafectación hacia la música de sus colegas contemporáneos.


Mertens es un enorme melodista. Seguramente el mejor de toda la segunda mitad del siglo XX. Por eso se le consiente -y por eso le ha ido tan bien- ser quien es. Crea con muy pocos elementos, insiste una y otra vez en los mismos patrones, sus obras parecen escritas con tiralíneas, con toda la estructura ahí, al aire. Piezas que se engarzan unas con otras formando un edificio que alguien hubiera dejado abandonado con los andamios puestos. No cincela sus partituras, no las adorna. Antagonista de lo barroco, prima el ritmo, la desnudez, lo obstinado y solo de vez en cuando se permite alguna veleidad un poco más dramática.

Hay algo muy orgánico en cada presentación de Mertens, y esta vez no fue una excepción. Sus conciertos no son un engranaje perfecto; no todo está en su sitio, no todo ocurre de la misma forma que la vez anterior. Él dice que sus (muchos) discos son como las maquetas de los conciertos. Que lo de verdad, lo fetén, sucede en el directo. Como expresó en una entrevista, «yo sé que me comunico mejor cuando no necesito de tanta precisión, algo que me oprime, me limita y me produce malestar».



Su capacidad para ir del pasado al presente le siguen delatando como un artista en constante ebullición. Con reiteradas ovaciones del público se abrochó su nueva presentación; la de este titán de la modernidad al que seguir admirando y tolerando en su contestataria heterodoxía

La música del documental brasileño «Nós que aqui estamos por vós esperamos» (1999), de Marcelo Masagão, es íntegramente compuesto por obras clásicas de Win Mertens, como «Struggle for Pleasure», «Maximizing the Audience», «Darpa», «4 mains», entre otras. Es una obra inspirada en la lectura cinematográfica de «La era de los extremos», del historiador británico marxista Eric Hobsbawm. También compuso la música de otras dos películas dirigidas por Masagão: «1,99: um supermercado que vende palavras» y «Otávio e as Letras».

La música que escucharemos tras la presentación es una selección de composiciones suyas que recogen sus diferentes composiciones y agrupaciones de su vida musical tan prolífica:

01.- Their Duet con Wim Mertens Ensemble (1993)
02.- No Testament (1989)
03.- In 3 or 4 days con Tenerife Symphony Orchestra (2008)
04.- Apatride (2019)
05.- La fin de la visite (1999)
06.- Maximizing the audience con Wim Mertens Ensemble (2005)
07.- Often a bird con Tenerife Symphony Orchestra (2008)
08.- Usura Early Works con Wim Mertens Ensemble (1983)
09.- 4 Mains con Wim Mertens Ensemble (2005)
10.- Struggle for pleasure con Wim Mertens Ensemble (2005)
11.- Hedgehog’s skin con Wim Mertens Ensemble (2005)
12.- A secret burning con Wim Mertens Ensemble (2005)

FUENTES

https://www.wimmertens.be/
https://www.syntorama.com/artista/wim-mertens/
https://scherzo.es/wim-mertens-el-vanguardista-que-no-queria-serlo/
https://es.wikipedia.org/wiki/Wim_Mertens
https://pt.wikipedia.org/wiki/N%C3%B3s_que_Aqui_Estamos_por_V%C3%B3s_Esperamos

Documental completo: Nós que aqui estamos por vós esperamos




Película «1,99: um supermercado que vende palavras»:




Vídeo «Espacios y tiempos cotidianos»:

ESPACIOS Y TIEMPOS COTIDIANOS from unilco on Vimeo.


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Marcela Rodríguez. Música para denunciar la violencia y expresar la tristeza



En este programa número 69 de La Alegre Corchea Libertaria, vamos a celebrar el cumpleaños de Marcela Rodríguez, compositora mexicana de música clásica contemporánea nacida el 18 de abril de 1951, y escucharemos algunas de sus composiciones después de la presentación.

«Marcela Rodríguez nació en Ciudad de México el 18 de abril de 1951. Creció rodeada de músicos de la farándula, como Agustín Lara, José Alfredo Jiménez y Tata Nacho, que fueron amigos de sus padres. Tras iniciarse en la infancia de forma autodidacta en la guitarra popular, estudió seis años con Manuel López Ramos; sin embargo, años después descubrió la música contemporánea. Entre sus maestros se encuentran Mª Antonieta Lozano, Leo Brouwer y Julio Estrada, entre otros. Desde 1979 escribe continuamente música para teatro, trabajando con los principales directores de México.


Por su carácter franco y extrovertido, y quizá por la influencia del contexto familiar de su infancia, Rodríguez suele desplegar en su música un lenguaje directo y transparente, en el que las emociones desempeñan un papel vital. Su inclinación por la dramaturgia y las artes escénicas han moldeado gran parte de su obra. En sus óperas La sunamita (1991), Séneca, o no todo nos es ajeno (1993) y Las cartas de Frida (2010), interpreta a los cantantes desde la perspectiva del director teatral» (Roberto García Bonilla, 2001).

Su obra comprende: solos para diversos instrumentos, canciones, música de cámara, sinfónica y dos óperas. Desde 1979 escribe continuamente música para teatro, trabajando con los principales directores de México. También ha escrito música para danza.

Para la compositora Marcela Rodríguez es impensable separar su trabajo creativo de su contexto histórico, político y social.

«No puedo negar ni dar la espalda a la realidad. Uno siempre debe tener conciencia de ella; es muy fácil perderla, porque es muy sencillo vivir cómodamente, sin enterarse de nada».


Refiriéndose a México: «Estamos en un momento espantoso en este país y no se me antojaba hacer nada alegre. La situación es tan terrible que debemos tomar conciencia y manifestarnos con lo que cada uno hace, en mi caso, con la música».




«Tengo una profunda tristeza por nuestro país, por pensar que hay gente que se dedica a matar, a vender y comprar mujeres, niñas y niños. Tenemos que tomar conciencia de todo eso y repensar a nuestro país».

«El arte por el arte es también maravilloso, bellísimo, pero cuando todo está en orden. También soy capaz de hacer una obra que nada tenga que ver con lo que pasa en el entorno; no creo que sea una forma de mentir, pero no es algo que quiera ni me nazca hacer. Ahora tengo ganas de decir que estoy triste».

La música que escucharemos tras la presentación son tres tipos de obra diferentes que representan la diversidad de sus composiciones y de intérpretes que han tocado su música:

1.- Lumbre I (2002)
Jimena Giménez Cacho, violonchelo

2.- Segundo Concierto para Piano y Orquesta (2012)
Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez
Miguel Salmon Del Real, director
Carlos Salmeron, piano

3.- Adúltera enemiga (2000)
No. 1. Cierra el labio
No. 2. Que adornada primavera
No. 3. Tiempo lugar y ventura
No. 4. Tente liviana
No. 5. Yo, Señora
No. 6. Lo que con la boca niego
No. 7. Pluguiera a Dios
No. 8. Hame contado don Diego
Interpretes: Ana María Leoz, soprano; María Teresa Chenlo, clavecín. Dirección: Juan Trigos.

Este es un poema de Juan Ruíz de Alarcón, de la obra número 3 de su composición «Adúltera enemiga»:

No. 3. Tiempo lugar y ventura
María:
    Aprovechemos el tiempo,
 mi Dios, que si el tiempo pasa
 hallaré tiempo sin tiempo,
 porque el tiempo que se pasa 
 sin vos, no es buen pasatiempo.
    Si la gloria te asegura
 el llanto, alma, procura
 tu salvación, pues que vienes
 a ver que en las manos tienes
 tiempo, lugar y ventura.
    Ventura, tiempo y lugar
 tengo, Señor, y me atrevo
 con mis lágrimas llegar
 a vos cual Ícaro nuevo,    
 sol divino, mar de amar.
    Tiempo y lugar conocido
 veo, y quiero así buscaros,
 Señor, con pecho atrevido
 porque la gloria de amaros   
 muchas hay que la han tenido.
    No quiero por el dolor
 mis deseos malograr,
 dígalo el alma, Señor,
 y vos, pues queréis mostrar
 la quinta esencia de amor.
    David viéndose perdido
 a un pequé se ha reducido,
 y aunque le ven perdonado
 muchos la gloria han buscado 
 pero pocos han sabido.
    Pocos son, pues imaginan
 que con deleites y vicios,
 Señor, al cielo caminan
 y a los torpes ejercicios    
 más que a la virtud se inclinan.
    Si el descanso le asegura,
 Señor, al que por vos muere,
 vuestro amor,  ¿qué bien procura?
 ¡Qué ciego está el que no quiere        
 gozar de la coyuntura!


FUENTES

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Tete Montoliu, el pianista que soñaba en colores



En este programa número 65 de La Alegre Corchea Libertaria, recordamos a Tete Montoliu (Barcelona, 28 de marzo de 1933-ibídem, 24 de agosto de 1997), pianista y compositor español de jazz, el primero que trascendió las fronteras y alcanzó nivel internacional. Su estilo está muy influenciado por artistas como Duke Ellington, John Coltrane, y Thelonious Monk.

Tuvo la suerte cuando él era un crío, con 14 años, de que su padre conociera al músico de jazz Don Byas, quien había ido a Barcelona para tocar en la misma orquesta en la tocaba su padre. Éste invitó un día a Don Byas a comer a su casa, y parece ser que Don Byas se enamoró de las paellas que hacía la madre de Tete, con lo cual se convirtió en un asiduo a la casa de los Montoliu, y allí el «nene» pudo, no sólo tocar jazz, sino conocer, hablar y ver como era un músico de jazz . Aunque Don Byas había acudido a Barcelona para tocar música comercial, en aquel momento ya era uno de los pivotes del estilo “be bop” que estaba empezando en los EE. UU. Por tanto, el hecho de conocer a Don Byas le marcó mucho como músico y como persona: siendo aún adolescente, le gustaba participar en las jam-sessions del Hot Club de Barcelona, llegando a liderar el primer cuarteto Be-Bop de España, compartiendo varias sesiones con el legendario saxofonista Don Byas entre el 46 y el 47.

Para elegir a sus compañeros de grupo, Tete Montoliú era muy exigente y tenía una rara cualidad: Tete no le preguntaba por los músicos que le gustaba, sino que le preguntaba por las novelas que había leído últimamente. Si el músico respondía: «pues no lo sé, hace tiempo que no leo», Tete me decía: «¡uh!, malo, este músico no sirve, nen». Tete Montoliu decía que, a la hora de tocar, le influenciaba más un relato de Cortazar que toda la discografía de Charlie Parker. Y eso él lo valoraba mucho: que los músicos no se centraran sólo en sus cosas, sino que fuesen abiertos. Cuando íbamos a un concierto, Tete siempre me preguntaba: ¿hay algún músico por aquí?, y a continuación decía: los músicos no van a los conciertos, no van al cine, no van al teatro, no leen, no van a las exposiciones…. entonces: ¿cómo pueden hacer arte si no hacen todo eso?

Mikel Jurado explica así la personalidad de Tete Montoliú: “Es complicado de explicar cómo era Tete Montoliu, puesto que si hablas con cien personas que le conocieron, cada una de ellas te va a dar una versión diferente. Y es así, porque yo me lo he encontrado. El ser ciego le marcó, por supuesto, eso es indudable. Hoy en día, un ciego puede desde utilizar un ordenador a esquiar o nadar, etcétera…, pero, una persona ciega en la Barcelona de los años treinta, y esto lo decía el propio Tete, además de ciega era considerada tonta. Es decir, el ciego era una persona a la que se le consideraba que no servía para nada. Entonces, él tuvo que luchar primero contra eso; después tuvo que luchar contra unos profesores que no querían enseñarle música porque era ciego y, por último, tuvo que luchar contra una sociedad que en ningún momento estaba preparada para los discapacitados. Todo eso marca un carácter desde dos puntos de vista: desconfianza y lucha. Desconfianza, porque no sabes lo que te rodea, por lo cual no te fías de nadie. Lucha, porque tienes que luchar para conseguir lo que quieres. Estas dos cosas le marcaron mucho. Hay una tercera que también le marcó a partir de los últimos quince años de su vida: una sordera que fue avanzando, y que a él le tenía muy asustado. Tete llegó a decir que, el día que me llegue a quedar sordo me tiro por la ventana, porque ciego y sordo ¿que puedo hacer en esta vida si no puedo ni siquiera escuchar música?. Afortunadamente eso no pasó. No obstante, a pesar de que Tete llevaba puesto un audífono de última generación y perfectamente diseñado, esa sordera provocó que Tete tuviese fama de persona que no quería hablar con la gente, de persona muy arisca, poco comunicativa, y muchas veces lo que ocurría era sencillamente que no se daba cuenta de que le estaban hablando, no se enteraba de lo que le estaban diciendo. Entonces había que acercarse a él y decírselo, tenías que hacerte entender”.

La música que escucharemos tras la presentación es el disco que publicó en 2007 la discográfica OK Records bajo el título de «Grandes Éxitos de Tete Montoliu»:
1.- We’ll Be Together Again
2.- My Funny Valentine
3.- I Can’t Get Started
4.- I Should Care
5.- Blues
6.- Sabor a Mí
7.- Noche en Tunicia
8.- Naima
9.- Paraules d’Amor
10.-El Cant dels Ocells
11.-Body and Soul
12.-Blue Bossa
13.-Manuel

FUENTES

http://tempodebolero.blogspot.com/2013/03/tete-montoliu-el-mejor-pianista-de.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Tete_Montoliu
https://elpais.com/diario/1980/10/29/ultima/341622007_850215.html

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El piano gitano de Dorantes



En este programa número 59 de La Alegre Corchea Libertaria, queremos traer la música de David Peña Dorantes, pianista, compositor y uno de los grandes del piano flamenco, nacido en 1969 en Lebrija (Sevilla).

David Peña Dorantes (Lebrija, 1969), conocido artísticamente como Dorantes es un pianista gitano español de flamenco y jazz. Pertenece a una de las familias gitanas que más artistas conocidos ha dado al mundo del flamenco en las últimas décadas, siendo hijo de Pedro Peña Fernández, nieto de María Fernández Granados, sobrino de Juan Peña El Lebrijano y estando emparentado con Fernanda y Bernarda de Utrera.


Siendo de familia de músicos se explica que se iniciara joven en el mundo de la música, empezando por la guitarra (llegó a presentarse a varios concursos), para seguir con el piano a la edad de diez años, cuando comenzó a estudiar en el Real Conservatorio Superior de Música.

Durante su etapa juvenil empieza a abrirse camino en el mundo del flamenco con un instrumento tan atípico como el piano, al cual lleva el ritmo flamenco de una manera magistral, a la vez que va incorporando nuevos ritmos influenciados por otros estilos musicales como el jazz o la música clásica.

En 1998 se dio a conocer al gran público cuando publicó su primer disco, Orobroy, el cual recibe la aclamación tanto de puristas como del público en general y le lleva a una gira mundial que duró cuatro años, en los que recibió numerosos premios. Es el único artista que fue premiado con tres Giraldillos en un solo espectáculo en la Bienal de Flamenco de Sevilla.

Un piano que mezcla aires flamencos, música impresionista con ecos de Debussy y pinceladas de jazz y de ese sinfonismo melódico que se mete en el saco de la new age. El propio compositor reconoce que en su formación ha tenido que «inventar técnica y recursos propios».




A lo largo de su carrera siempre ha reivindicado al pueblo gitano, siempre presente en su trabajo.

La música que escucharemos después de la presentación es una selección nuestra de diversas creaciones e interpretaciones de Dorantes:
1.- Orobroy
2.- A piano abierto (bulerias) con el bailaó Grilo
3.- Nana de los luceros (nana flamenca) con Inés Bacán
4.- Refugio (letra: Federico García Lorca) con Enrique Morente
5.- Garrotín (letra: José Saramago) con Esperanza Fernández
6.- A Ritmo De Berza
7.- Caravana de los Zincalí con Juan Peña «El Lebrijano»
8.- Gelem, Gelem con Esperanza Fernández

FUENTES

http://www.dorantes.es/#design_biografia
https://es.wikipedia.org/wiki/David_Dorantes
https://youtu.be/jOjtXiPl8Rk
https://es.wikipedia.org/wiki/Gelem_Gelem

Sintonía: Birds of Fire – Mahavishnu Orchestra

Programa bajo licencia CC-by-sa-nc a excepción de la música. Uso educativo.


GELEM, GELEM (Himno Internacional Gitano) (y trad.)
Gelem, gelem lungone dromensar
maladilem baxtale Rromençar
A Rromalen kotar tumen aven
E chaxrençar bokhale chavençar

A Rromalen, A chavalen
Anduve, anduve por largos caminos
Encontré afortunados romà
Ay, romà, ¿de dónde venís
con las tiendas y los niños hambrientos?

¡Ay romà, ay muchachos!
Sàsa vi man bari familja
Mudardás la i Kali Lègia
Saren chindás vi Rromen vi Rromen
Maskar lenoe vi tikne chavorren

A Rromalen, A chavalen
También yo tenía una gran familia
fue asesinada por la Legión Negra
hombres y mujeres fueron descuartizados
entre ellos también niños pequeños.

¡Ay romà, ay muchachos!
Pangela la neger butar, Undivel
Te saj dikhav kaj si me manusa
Palem ka gav lungone dromençar
Ta ka phirav baxtale Rromençar

A Rromalen, A chavalen
Abre, Dios, las negras puertas
que pueda ver dónde está mi gente.
Volveré a recorrer los caminos
y caminaré con afortunados calós

¡Ay romà, ay muchachos!
Opre Rroma isi vaxt akana
Ajde mançar sa lumáqe Rroma
O kalo muj ta e kale jakha
Kamàva len sar e kale drakha

A Rromalen, A chavalen.
¡Arriba, gitanos! Ahora es el momento
Venid conmigo los romà del mundo
La cara morena y los ojos oscuros
me gustan tanto como las uvas negras

¡Ay romà, ay muchachos!