Radiofonía libre en un mundo de esclaVox. Programa collage creación de Gonzalo Marcuzzi para pensar, reflexionar sobre las formas de manipulación desde el pensamiento divergente, acompañado de buena música.
Radio antiESTEsistema y sus enfermos mentales virósicos de las homogéneas clases políticas locales e internacionales.
Radio en un mundo comandado por auténticos PSICÓPATAS de corbata y de blanco, en sus farmacoracias y virucracias diseñadas o aprovechadas para sustentarse en el poder sin ecuanon y de manera rectilínea y permanente.
Radio contra el hecho de que se nos prepara e induce una y otra vez para O B D cer sin SER… radio porque no conozco a un solo ser en este bonito planeta viviendo en este sistema, que sea FELIZ O SE SIENTA BIEN … y no digo realizado, pero realizado en términos reales y fuera del estúpido Mercado. Ni uno/una sola persona feliz conozco… cero.
Pero hablamos en voz baja del mejor sistema P O S I B L E.
Desde ALEGRIA LIBERTARIA que nos admite y retransmite desde Aracena (Huelva), Andalucía.
MÚSICA
Friggin’ In The Riggin’ – Sex Pistols Laughing on the Outside – Bernadette Carroll It’s The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine) – R.E.M. Plandeia – Davedd Dog – John Lydon Qué Hacer – Futuro Terror Anuncio – La Polla Records
En este programa número 160 de La Alegre Corchea Libertaria, os traemos la música de Etta James, cantante estadounidense de soul, jazz y rhythm & blues, considerada una de las grandes voces en la historia del R&B.
Jamesetta Hawkins (Los Ángeles, 25 de enero de 1938 – Riverside, California, 20 de enero de 2012), más conocida por su nombre artístico Etta James, fue prodigiosa en su tono de voz y esto le permitió convertirse en una cantante de góspel, interpretando en el coro de su iglesia de barrio en Los Ángeles.
Empezó a hacer interpretaciones en la radio a los cinco años. Niña prodigio del góspel, comenzó a cantar en su Iglesia bautista y en la radio local bajo la tutela del profesor James Earle Hines, que era el director musical del coro de la Iglesia bautista San Pablo, en el South central de Los Ángeles, con el que sufrió los primeros maltratos físicos. Este tipo a menudo le presionaba fuertemente el pecho y el estómago para sacar más potencia a su voz, algo que hacía que la pequeña tuviese una voz mucho más desgarradora que el resto de los niños de su edad. Así se desarrolló la infancia de Etta, entre las palizas de su padre adoptivo Sarge (que la obligaba a cantar delante de sus amigos cuando llegaban a casa a altas horas de la madrugada y borrachos como cubas) y las de su tutor musical.
En 1950, con 12 años, marcha a San Francisco, donde crea su primer grupo, The Creolettes, un conjunto de chicas y de estilo doo-wop. En este momento la descubre el cazatalentos Johnny Otis, y comienza su verdadera aventura.
En 1960 comienza a trabajar con la discográfica Chess Records de Chicago, cantando para la subsidiaria Argo. Inmediatamente, su carrera alcanzó un nivel altísimo de popularidad; no solo hizo un par de dúos con su novio (el cantante líder de los Moonglows, Harvey Fuqua), sino que individualmente grabó canciones como la apasionada balada «All I Could Do Was Cry», alcanzando lo más alto de las listas de éxitos de R&B. Luego cayó en el olvido, hasta los años 90, aunque ella siguió cantando de forma intermitente.
Etta James durante la grabación de ‘At Last’ en 1960 / GETTY IMAGES (tomada de Cadena Ser)
James fue una vez considerada una de las músicas de blues y R&B más ignoradas en la historia de la música de los Estados Unidos. No fue sino hasta principios de la década de 1990 cuando comenzó a recibir importantes premios de la industria de los Grammy y la Blues Foundation, y comenzó a recibir un amplio reconocimiento. En 2001 entró en el Hall of Fame del Blues, y en 2003 recibió un Grammy honorífico, y siguió sacando discos hasta que su voz se apagó en 2012 (tres días después de la muerte de Johnny Otis). Pero incluso ese año nos dejó un último regalo, The Dreamer. Christina Aguilera conmemoró a Etta cantando en su funeral el sencillo «At Last».
Etta James fue una mujer con un carácter muy fuerte y salvaje. No se callaba ante nadie y llevaba los momentos malos de su vida con humor e ironía.
James poseía el rango vocal de contralto. Su estilo musical cambió a lo largo de su carrera. La voz de James se hizo más profunda y áspera, moviendo su estilo musical en sus últimos años en los géneros del soul y el jazz.
James influyó en una gran variedad de músicos, entre ellos Diana Ross, Christina Aguilera, Janis Joplin, Bonnie Raitt, Shemekia Copeland y Hayley Williams de Paramore, así como en los artistas británicos The Rolling Stones, Rod Stewart, Elkie Brooks y Amy Winehouse.
Tras la presentación, escucharemos su disco «At Last!», de 1960, aunque la versión que vamos a escuchar es una reedición de 1999, que incluye, además, cuatro pistas extra a dúo interpretadas con Harvey Fuqua.
At Last! tiene material fuerte en todas partes, y la voz de James maneja con destreza estándares del jazz como «Stormy Weather» y «A Sunday Kind of Love», así como el clásico de blues de Willie Dixon «I Just Want to Make Love to You».
Stephen Cook, de AllMusic
Estos son los temas que podréis escuchar tras la presentación:
01.- Anything To Say You’re Mine 02.- My Dearest Darling 03.- Trust In Me 04.- A Sunday Kind Of Love 05.- Tough Mary 06.- I Just Want To Make Love To You 07.- At Last 08.- All I Could Do Was Cry 09.- Stormy Weather 10.- Girl Of My Dreams 11.- My Heart Cries 12.- Spoonful 13.- It’s A Crying Shame 14.- If I Can’t Have You
En este programa número 37 de Alegría Literaria, el compañero Ariel Cóceres, desde Villa Escolar, Formosa (Argentina), nos trae esta novela narrada con mucho talento por su autor, que visita paisajes de la Italia fascista, da voces a los trabajadores y recolecta los diálogos a fin de acercarse a la verdad sobre la figura de su protagonista: Tulio Saba (El hijo de Bakunin).
Recurriremos al tráiler de una película, canciones, llamaremos a la intertextualidad permanente y sobre todo acudiremos a la lectura, todo, a fin de explotar al máximo, esta novela italiana.
Esta novela narrada con mucho talento por su autor, visita paisajes de la Italia fascista, da voces a los trabajadores y recolecta los diálogos a fin de acercarse a la verdad sobre la figura de su protagonista: Tulio Saba (El hijo de Bakunin).
Sergio Atzeni
La polifonía es una constante, se repite capítulo por capítulo.
Las voces son dispares, no hablan de un santo.
El hijo de Bakunin, de Sergio Atzeni, por Ariel Cóceres
Sergio Atzeni reconstruye la figura del mal que muchos ironizan al hablar de Bakunin, juega a establecer un paralelo con Tulio Saba.
El hijo de Bakunin, de Sergio Atzeni
CRÉDITOS
Sintonía: Literatura de cordel – Francisco Diniz
OBRA
«El hijo de Bakunin», de Sergio Atzeni (1995- Novela)
El lugar donde se ahogó Sergio Atzeni, frente a la isla de San Pietro
CORTINA MUSICAL
Black Code – Wynton Marsalis Primavera 0 – Marcos Sanguineti Offtramp – Pat Metheny group
CANCIÓN QUE ESCUCHAMOS (por orden de aparición)
Canción del Minero – Víctor Jara Cadena Perpetua – Imperialistas
En este programa número 159 de La Alegre Corchea Libertaria, de nuestra radio libre online Alegría Libertaria, queremos recordar a Alfredo Zitarrosa (Montevideo; 10 de marzo de 1936; 17 de enero de 1989), cantautor, poeta, escritor, locutor y periodista uruguayo, considerado una de las figuras más destacadas de la música popular de su país y de toda América Latina.
Hijo natural de Jesusa Blanca Nieve Iribarne, que con 19 años lo dio a luz en una casa de altos, ubicada en el barrio de Belvedere, en la avenida Carlos María Ramírez esquina Carlos de la Vega.
Lo recibió una partera conocida por el apodo de Bombón, que allí vivía. Cuando Blanca Iribarne estaba en trabajo de parto fue trasladada en un carro de caballo desde el pueblo de Santiago Vázquez con la intención de llegar al hospital pediátrico Pereira Rossell, pero no llegó a tiempo y fue acogida en casa de la partera. Allí nació Zitarrosa y luego lo llevaron hasta el hospital, lugar que se considera como el sitio de su nacimiento, para inscribirlo en el registro civil que allí existe. Fue anotado como Alfredo Iribarne.
Alfredo Zitarrosa
A poco de nacer, en circunstancias especiales, su madre lo dio a criar al matrimonio compuesto por Carlos Durán, hombre de varios oficios, y Doraisella Carbajal, empleada en el Consejo del Niño. Pasó entonces a ser Alfredo «Pocho» Durán. Con esa pareja vivió en diversos barrios de la capital uruguaya y luego, entre 1944 y fines de 1947, se trasladó al pueblo de Santiago Vázquez, con frecuentes visitas a la campaña cerca de Trinidad, capital del departamento de Flores, de donde era oriunda su madre adoptiva. Se ha señalado que esta experiencia infantil lo marcó para siempre, dado que en su repertorio resalta la inclusión mayoritaria de ritmos y canciones de origen campesino, fundamentalmente milongas.
Regresó con su familia adoptiva por breve tiempo a Montevideo, para luego, al comienzo de su adolescencia, pasar a vivir con su madre biológica y el esposo, el argentino Alfredo Nicolás Zitarrosa, quien le dio su apellido, y su hermana recién nacida, en el Rincón de la Bolsa, hoy llamado Ciudad del Plata, en el km 29.5 de la vieja ruta a Colonia, departamento de San José.
Trabajó, entre otros menesteres, como vendedor de muebles, de suscripciones a una sociedad médica, de oficinista y en una imprenta. Tiempo después recordaría con especial afecto al que fuera su primer empleador, un tal Pachelo, que le fue presentado por uno de sus compañeros habituales de viaje en sus traslados diarios a Montevideo, durante la época liceal.
Se inició en las lides artísticas en 1954, como locutor de radio. Incursionó como presentador y animador, libretista e informativista, e incluso como actor de teatro. Fue también escritor, poeta y periodista. En esta última actividad, se destacó su labor en el semanario Marcha.
Aunque cantaba desde pequeño y había realizado ya algunas grabaciones informales que trascendieron con los años, debutó profesionalmente como cantor el 20 de febrero de 1964, en Perú. Forzado por las circunstancias y un poco fortuitamente, participó en un programa que se emitía por el Canal 13, Panamericana de Televisión, comenzando así una carrera que nunca se interrumpiría. Zitarrosa relató así su experiencia:
No tenía ni un peso, pero sí muchos amigos. Uno de ellos, César Durand, regenteaba una agencia de publicidad y por sorpresa me incluyó en un programa de televisión, y me obligó a cantar. Canté dos temas y cobré 50 dólares. Fue una sorpresa para mí, que me permitió reunir algunos pesos.
Alfredo Zitarrosa
Desde el principio, se estableció como una de las grandes voces del canto popular latinoamericano, con raigambre folclórica y clara ideología de izquierda. Cultivaba un estilo contenido y varonil, y su voz grave y un típico acompañamiento de guitarras le dieron su sello característico.
En la década de 1960 fue votante y militante del Frente de Izquierda de Liberación (FIDEL), lista 1001, en el seno del Movimiento Popular Unitario que integraba aquella coalición. Luego siguió militando en el Partido Comunista de Uruguay hasta su muerte. En 1971 adhirió al Frente Amplio. Participó como cantor en innumerables actos políticos de estas organizaciones.
Aquellas actividades, sumadas al contenido ideológico de su canción, le valieron el ostracismo y finalmente el exilio, durante los años de la dictadura (1973-1985). Sus canciones estuvieron prohibidas en Uruguay durante ese período, y más tarde en Argentina y Chile, por las dictaduras golpistas y genocidas que gobernaron esos países. Vivió entonces, sucesivamente, en Argentina, España, México y, nuevamente, Argentina, a partir del 9 de febrero de 1976.
Levantada la prohibición de su música, como la de tantos en la Argentina luego de la Guerra de Malvinas, se radicó nuevamente en Buenos Aires, donde realizó tres memorables recitales en el estadio Obras Sanitarias, los primeros días del mes de julio de 1983. Casi un año después volvió a su país, donde tuvo una histórica y masiva recepción el 31 de marzo de 1984, la que fue descripta por él mismo como «la experiencia más importante de mi vida».
En ese regreso, pasadas las primeras emociones del reencuentro con su país y su gente, comenzó a tener diversas dificultades.
Falleció en los albores del 17 de enero de 1989, a causa de una peritonitis derivada de un infarto mesentérico.
Zitarrosa buscó una canción uruguaya basada en los géneros musicales que identifican a la región. En esta búsqueda también puede identificarse a artistas contemporáneos como Daniel Viglietti y Los Olimareños, que a su vez fueron precedidos por otros como Osiris Rodríguez Castillos, Amalia de la Vega y Anselmo Grau
Su obra tiene base en la música folclórica rural, y encuentra en el tango el modelo de acompañamiento de guitarras. Zitarrosa rescató los dúos, tríos y cuartetos presentes desde larga data en la música uruguaya. Utilizó el cuarteto principalmente en la milonga.
Cubierta del cassete «Guitarra negra», de Alfredo Zitarrosa (1992)
Tras la presentación, escucharemos su disco recopilatorio «Guitarra negra», de 1992, editado en Chile con grabaciones de Alfredo Zitarrosa de distintas fuentes, además de una selección de Radio Alegría Libertaria a modo de bonus track. Todos los temas pertenecen en letra y música a Zitarrosa. Estos son los temas que podréis escuchar tras la presentación:
01.- Guitarra Negra (contra canciones) (versión grabada en Madrid en 1977). Poema por milonga. 02.- Adagio a mi país (registro en vivo durante las Jornadas del Canto Popular. México, 1977). 03.- No se puede (grabada en México, 1979-1980, y editada por primera vez en esta versión en el álbum “Textos políticos. 20 años de compromiso”, México, 1980). Voces del final: Nancy Marino, Naldo Labrín y Ruben Yáñez. 04.- La canción quiere (grabada en México, 1979-1980, y editada por primera vez en esta versión en el álbum “Textos políticos. 20 años de compromiso”, México, 1980). 05.- La pobreza de los pobres (compuesta en 1977, parece grabada acompañado por los mismos músicos que intervinieron en el álbum “Guitarra negra” editado en España en ese año. Tema inédito que hasta la fecha no había aparecido en ediciones argentinas o uruguayas).
Bonus track
06.- Doña Soledad (candombé, 1968) 07.- Pa’ l Que Se Va (chamarrita, 1967) 08.- Coplas al Compadre Juan Miguel (chamarrita, 1966)
En este programa número 36 de Alegría Literaria, daremos unas pinceladas sobre Chaya Pinjasovna Lispector, mejor conocida como Clarice Lispector (Chechelnik, Ucrania; 10 de diciembre de 1920–Río de Janeiro, Brasil; 9 de diciembre de 1977).
Periodista, reportera, traductora y escritora de novelas, cuentos, libros infantiles y poemas ucraniana-brasileña de origen judío considerada una de las escritoras brasileñas más importantes del siglo XX.
De difícil clasificación, ella definía su escritura como un «no-estilo». Perteneció a la tercera fase del modernismo, de la generación brasileña del 45.
Clarice Lispector
En 1921, la familia salió de Ucrania, hacia la actual Moldavia y más tarde a Rumania. En Bucarest, en 1922, consiguieron pasaportes rusos y el permiso para viajar a Brasil, por lo que así lograron emigrar a Maceió, en donde ya se encontraban la hermana de Mania y el esposo de ella. Al llegar a Brasil, todos tomaron nombres portugueses: Pinjas se convirtió en Pedro, Mania en Marieta, y Chaya recibió el nombre de Clarice. Cuando tenía tan solo cinco años, sus padres se mudaron a Recife, Pernambuco. A la edad de diez años, su madre falleció.
Eligiendo el portugués, empezó a escribir a temprana edad, y envió varios cuentos al Diario de Pernambuco, el cual rechazó sus publicaciones en una sección de contribuciones infantiles debido a que, mientras que las historias de los demás niños poseían algún tipo de narrativa, los textos de Clarice no describían más que sensaciones. Una de las primeras influencias literarias que tuvo provino del escritor Monteiro Lobato
A la edad de catorce años, se mudó a Río de Janeiro con su padre y una de sus dos hermanas. Allí, muy joven, empezó a leer libros de autores nacionales y extranjeros de mayor relevancia, como Machado de Assis, Rachel de Queiroz, Eça de Queiroz, Jorge Amado y Fédor Dostoievski.
A los veintiún años logró publicar «Cerca del corazón salvaje», obra que había escrito a los diecinueve años y por la que recibió el premio Graça Aranha a la mejor novela publicada en 1943.
Siendo estudiante, conoció a su futuro esposo, el diplomático Maury Gurgel Valente, a quien acompañaría a menudo de país en país, hasta su separación en 1959. Las mudanzas constantes fueron uno de las características de la vida de Clarice, quien siguió en matrimonio a su esposo, dejando atrás a su familia y amigos.
En realidad no sé escribir cartas de viajes, en realidad ni siquiera sé viajar.
Clarice Lispector
En 1959 se separó de su esposo para regresar a Río de Janeiro, en donde retomó de nuevo la actividad periodística; escribió artículos en los medios para conseguir el dinero necesario para independizarse. Un año después publicó su primer libro de cuentos, «Lazos de familia», con relativo éxito; al año siguiente publicó la novela «La manzana en la oscuridad», que sería convertida en una obra de teatro. En 1963 publicó la que es considerada su obra maestra: «La pasión según G. H.», que escribió en tan solo unos meses.
Debido a su dominio de portugués, inglés, francés y español, con fluidez; de hebreo y yiddish, con cierta fluidez; y de nociones de ruso, realizó numerosas traducciones.
Entre el final de los años sesenta y principios de los setenta, publicó libros infantiles, traducciones y adaptaciones de obras extranjeras, obteniendo gran reconocimiento, por lo que impartió charlas y conferencias en distintas universidades de todo Brasil.
Meses después de la publicación de su última novela, «La hora de la estrella», víctima de un cáncer de ovario, a los 56 años, murió en Río de Janeiro el 9 de diciembre de 1977
El estilo de la escritura de Lispector es original. En diversas entrevistas, manifestó que, al momento de escribir, era consciente de lo que hacía. Se destaca en sus obras un estilo y una estructura muy líricos, con una interioridad profunda y siempre relacionada con complejos procesos emocionales y mentales.
Los personajes de sus obras hacen observaciones, apreciaciones y presentaciones de situaciones vitales de una manera muy afilada. Siempre con una prosa reflexiva, con momentos de misterio y de conflictos internos. Lispector se sentía cautivada con la presencia de la consciencia en la escritura, por lo que ello era un tema recurrente en las palabras de sus personajes. No tendía a mostrar un análisis de los estados mentales de los personajes, sino que mostraba directamente sus pensamientos. Intentó de esa manera que los lectores analizaran sus obras por su cuenta. Un denominador común en sus textos es la idea del conocimiento por sí mismo.
El cuento que vamos escuchar, «La partida de un tren», está alojado en el canal de youtube: Literatura para oir, fue publicado en 1974 formando parte del libro: «Onde estivestes de noite».
